Clarinette
en exil
Pièces pour clarinette solo de
compositeurs exilés du 20ème siècle
primTON pT-1303
EAN
4250523313033, 2022
Hugo Rodríguez:
Solo Clarinet
Enregistrement:
Peter Weinsheimer dans le studio d’enregistrement Ölberg-Kirche Berlin, octobre
2021
Texte
d’introduction:
Daniela Fugellie (Professeur Universidad Alberto Hurtado, Santiago du Chili)
Art
et design:
Candela Pan
TT 35:34 min.
Hanns Eisler (1898-1962):
Moment Musical (ca. 1940)
Ernst Krenek (1900-1991):
Monologue, op. 157
1. Moderato, 2. L'istesso tempo, 3. Larguetto, 4. Allegretto, 5. Allegro
appasionato
Egeon Joseph Wellesz (1885-1974):
Suite für Klarinette solo, op. 74 (1954)
1. Rhapysody. Tempo rubato, 2. Serenade. Molto tranquillo, 3. Scherzo. Vivace,
4. Dance. Allegretto
Xavier Benguerel (1931-2017):
Introspecció (2003)
Arthur Lourié (1891-1966):
The Mime für Klarinette solo (1956)
Igor Stravinsky (1882-1971):
Drei Stücke für Klarinette solo (1918)
Distance, séparation, évasion, impossibilité. Les
quatre compositeurs ont en commun d’être contraints de rester à l’écart de leur
patrie : Benguerel a dû émigrer au Chili pendant la Seconde Guerre mondiale
pendant la dictature franquiste, Krenek et Stravinsky, qui vivaient auparavant
en France, aux États-Unis. Le compositeur autrichien Egon Wellesz était en exil
en Angleterre.
À partir des pensées quelques années plus tard, ces pièces ont été créées.
Souvent, ils sont un monologue pour soi-même, aussi un cri de protestation ou
de désir, mais encore et encore la liberté et l’amour sont célébrés.
Comme aucun autre instrument, la voix diversifiée de la clarinette est capable
de raconter toutes ces pensées en quatre histoires riches en contrastes.
Ma collaboration musicale avec Xavier Benguerel, peu avant sa mort en 2017,
jette les bases de ce projet. Au printemps 2016, il a créé les dernières
annotations personnelles et modifications de sa pièce Introspecció.
Les pièces, qui sont injustement rarement jouées, forment un discours qui
exprime non seulement des souvenirs et du chagrin, mais aussi, comme dans la
situation actuelle en 2020, un développement vers la modernité et une nouvelle
identité pleine de joie et d’espoir.
Financé par Neustart Kultur
Hugo
Rodríguez
Quand un instrument de musique s’exile
L’histoire culturelle européenne du 20ème siècle a été façonnée par plusieurs
convulsions politiques qui ont entraîné l’exil de milliers de personnes entre
différents pays et continents. Dans ce cadre, les membres de l’avant-garde
musicale ont souvent été victimes de persécutions politiques, car leur
orientation esthétique révolutionnaire ne s’alignait pas sur les régimes
autoritaires tels que l’Allemagne nazie ou la dictature franquiste. Dans
plusieurs cas, l’orientation moderniste était étroitement liée à une idéologie
de gauche et/ou à l’identification au judaïsme. L’impact de l’exil sur le
développement de la musique du 20ème siècle est clairement audible dans cet
enregistrement de Hugo Rodríguez, qui rassemble des compositeurs de différents
pays et générations qui ont émigré aux États-Unis, en Angleterre, en Suisse, en
France et au Chili. Plus important encore, cette collection démontre que
plusieurs pièces représentatives du 20ème siècle écrites pour la clarinette en
tant qu’instrument solo – y compris les
Trois pièces de Stravinsky – ont été écrites en exil. Les traces de
l’exil se manifestent dans ces œuvres de différentes manières. D’un point de vue
biographique, le processus d’émigration résonne dans les liens entre
clarinettistes, sponsors et institutions dans les nouveaux pays de résidence.
Bien que les œuvres soient purement instrumentales, le choix de certains styles
musicaux peut également être compris comme un geste de résistance culturelle
dans le contexte de l’exil. En ce sens, la musique dodécaphonique et le
sérialisme évoquent les liens de certains compositeurs avec Arnold Schoenberg et
son cercle viennois, soulignant le fait que Schoenberg lui-même a émigré aux
États-Unis, alors que beaucoup de ses étudiants étaient dispersés dans
différents pays. Le protagoniste de ce voyage dans le processus d’exil parmi les
compositeurs importants du 20ème siècle est la clarinette, qui offre des
monologues expressifs représentant des humeurs et des émotions contrastées. En
écoutant ces œuvres, nous pouvons deviner comment elles ont été musicalement
façonnées par de nouvelles expériences artistiques en exil.
Né à Leipzig, Hanns
Eisler (1898-1962) grandit à Vienne, où il est l’élève privé de
Schoenberg entre 1919 et 1923. De retour en Allemagne, en 1926, il devient
membre du Parti communiste allemand. Au cours de cette période, ses convictions
politiques l’amènent à s’éloigner de l’avant-garde musicale, et il entame sa
collaboration artistique de toute une vie avec le dramaturge et poète Bertold
Brecht (1898-1956), qui aboutit à la composition de nombreuses œuvres. Leurs
chansons Solidaritätslied
et Einheitsfrontlied
comptent parmi le répertoire le plus célèbre du mouvement ouvrier
allemand. Après l’établissement de la dictature nazie en 1933, Eisler a voyagé
dans différents pays; entre autres, il a visité le front espagnol dans le
contexte de la guerre civile espagnole, et il a été au Danemark et au Mexique,
avant de s’installer aux États-Unis en 1940. À partir de 1942, il vit et
travaille à Hollywood en tant que compositeur de musique de film et de théâtre.
Dans ce pays, Eisler et Brecht ont continué à travailler ensemble jusqu’en 1947,
date à laquelle ils ont tous deux été traduits devant le Comité des activités
anti-américaines, ce qui a entraîné leur expulsion. Eisler et Brecht ont tous
deux déménagé en République démocratique allemande (RDA), où Eisler a développé
une activité musicale intense. En 1949, il compose Auferstanden
aus Ruinen, qui est jusqu’en 1990 l’hymne national de la RDA. Moment
Musical (vers 1940) est la première pièce solo pour clarinette d’Eiler.
Il a été écrit pour la
pièce de Broadway Night Music de Clifford Odet, qui a été créée en 1940 à
New York. Dans la pièce, le personnage principal, Steve Takis, joue de la
clarinette. Il est fort probable que le virtuose Moment
Musical ait été remplacé dans l’interprétation de Night
Music par une partition alternative, puisque le manuscrit existant est
accompagné d’autres solos plus faciles pour l’instrument. Le manuscrit comprend
également une dédicace, datée de 1947, à « M. Donatelli, un très excellent
musicien et artiste ». Vincent Donatelli (1892-1956) fut le premier
clarinettiste de l’orchestre des RKO Filmstudios à Hollywood. Avec son
expérience professionnelle, Donatelli était un interprète bien adapté à cette
pièce expressive, qui utilise un large registre de l’instrument, combinant des
sections mélodiques avec l’utilisation d’arpèges et de sauts, et des contrastes
soudains de tempo et de caractère.
Le deuxième thème, avec un caractère mélancolique et cantabile, est marqué
« blues tempo » et apparaît également dans la chanson de Steve « Move over,
Mister Horse » de Night Music. Avec ses liens avec Broadway, Hollywood et le
blues, Moment
Musical construit un témoignage représentatif de l’exil d’Eisler aux
États-Unis.
Ernst
Krenek (1900-1991) est né à Vienne, où il a étudié la composition
avec Franz Schreker (1878-1934), qu’il a suivi en 1920 à Berlin. Dans cette
métropole musicale, il rencontre, entre autres, Ferruccio Busoni et Hermann
Scherchen et entame une intense carrière de compositeur. Le succès significatif
de son opéra Jonny
spielt auf (1925), dans lequel il a travaillé avec des styles de musique
populaire moderne tels que le jazz, le foxtrot et le tango, a été un jalon dans
sa carrière. Cependant, Krenek a continué à expérimenter différents langages
musicaux au cours de sa vie, et au moment où il a créé son prochain opéra – Karl
V (1933) – il était de retour à Vienne pour explorer les possibilités de
la composition dodécaphonique. En tant que compositeur d’avant-garde, sa
carrière ascendante a été interrompue par la montée du nazisme. En 1938, il
émigre aux États-Unis, où il occupe des postes d’enseignant dans différentes
universités. De 1947 à 1966, il réside à Los Angeles. Au cours des années 1950,
Krenek a rétabli ses contacts avec l’avant-garde européenne et a été un
conférencier et un enseignant fréquent aux emblématiques cours d’été de
Darmstadt. Pendant ce temps, il a commencé à travailler avec le sérialisme
intégral et la musique électronique. Monologue
op. 157 (1956) a été créé par le clarinettiste et compositeur Stanley Walden en
1960 à New York. Selon l’autobiographie de Walden, le concert a été
personnellement assisté par Krenek. L’ouvrage est articulé en cinq courtes
sections. Sa sonorité atonale et la brièveté des pièces témoignent de l’héritage
du modernisme viennois, bien que la pièce reflète également l’intérêt de Krenek
pour le sérialisme intégral d’après-guerre. En ce sens, non seulement la
dimension tonale, mais aussi le rythme, l’articulation et la dynamique sont
organisés en différents degrés de conceptions sérielles. Tout cela devient clair
dans les deux premières parties, caractérisées par une sonorité pointilliste
différenciée.
Egon
Wellesz (1885-1974) est également né à Vienne, bien que ses parents
soient hongrois d’origine juive. À Vienne, il étudie la musicologie avec Guido
Adler et est l’un des premiers étudiants privés de Composition de Schoenberg.
Combinant ses intérêts pour la musicologie et la composition moderne, il est
l’auteur de la première biographie de Schoenberg (1921). Parallèlement à sa
trajectoire d’érudit et de conférencier, en tant que compositeur, il a développé
un style plutôt diatonique et a appliqué le sérialisme dodécaphonique dans
seulement quelques œuvres. Bien que Wellesz se soit converti au catholicisme, sa
vie à Vienne a été mise en danger après l’annexion de l’Autriche par Hitler en
1938. Grâce à ses relations académiques, Wellesz a pu émigrer en Angleterre, où
en 1939, il est devenu membre du Lincoln College de l’Université d’Oxford. Au
Royaume-Uni, il a développé une longue carrière de professeur et a continué à
travailler comme compositeur. En tant que chercheur, il était un pionnier du
chant byzantin, un domaine qu’il avait commencé à étudier à Vienne. La Suite
pour clarinette solo op. 74 (1954) est la première d’un groupe de
compositions pour instruments solistes qui comprend également des suites pour
hautbois (op. 76) et basson (op. 77), ainsi que des
Fanfares op. 78 pour cor. Bien que la pièce soit marquée par une
conception atonale, chaque section présente des attributs traditionnellement
liés à leurs désignations. En ce sens, après une « Rhapsodie », qui est
structurée en longues phrases riches en sauts mélodiques et en retour dans
différentes ambits tonaux, la « Sérénade » est un mouvement doux et joyeux. Le
« Scherzo » est rapide et ludique, tandis que le final « Dance » présente une
première section qui répète un schéma rythmique. La régularité attendue de la
danse est interrompue dans une seconde section par l’alternance de différentes
mesures (3/4, 2/4, 7/8). Enfin, le mouvement revient à Tempo I.
La deuxième partie de l’enregistrement passe du modernisme austro-allemand à
d’autres latitudes. Xavier
Benguerel (1931-2017) est le seul compositeur sur cet enregistrement
à avoir connu l’exil durant sa jeunesse. Son père, Xavier Benguerel i Llobet,
était un écrivain catalan bien connu et un défenseur de la République espagnole.
Avec l’issue de la guerre civile espagnole (1936-1939), la famille de Benguerel
a été contrainte à l’exil. En 1940, ils s’installent à Santiago du Chili grâce
au soutien du poète chilien Pablo Neruda. Benguerel a eu ses premières leçons de
composition avec Juan Orrego-Salas (1919-2019) au Chili. La première
représentation d’une de ses œuvres fut la présentation d’une sonate pour violon
et piano au Conservatoire national chilien en 1953. Benguerel retourne à
Barcelone en 1954, où il étudie avec Cristófor Taltabull (1888-1964) et fait
partie de la Generación
de 1951. Pour cette longue carrière de compositeur, Benguerel a reçu le
Prix de composition ibéro-américaine Tomás Luis de Victoria (2015). Introspecció
(2003) a été dédié à Joan Pere Gil. Selon la partition publiée (2004), le
titre de la pièce a été choisi par ce clarinettiste. La partition mentionne
également que Benguerel a consciemment décidé de s’abstenir de techniques
étendues dans ce cas, car elles ne correspondaient pas aux buts de la pièce. En
2016, Hugo Rodríguez a interprété cette œuvre à Madrid et à Barcelone pour deux
concerts avec l’Ensemble Iberoamericano dédié à Benguerel, à l’occasion du prix
Tomás Luis de Victoria. Dans le cadre de ces performances, Rodríguez a travaillé
en étroite collaboration avec le compositeur dans Introspecció
et sa partition révèle des faits intéressants sur le propre cadre
conceptuel de Benguerel. Comme le révèlent les indications manuscrites, cette
pièce capricieuse est conçue en sept sections contrastées. Chacun présente un
argument différent; par exemple, nr. 4 est indiqué comme « mystérieux », nr. 6
comme « drôle » et nr. 7 comme « étrange ». Grâce à son interaction avec le
compositeur survenue peu de temps avant sa mort en 2017, Rodríguez nous présente
une performance réflexive proche de la vision esthétique du compositeur
lui-même.
Le compositeur russe Arthur
Lourié (1891-1966) a étudié au Conservatoire de Saint-Pétersbourg
avec Alexandre Glazounov (1865-1936). Déjà jeune étudiant, il s’intéresse à la
musique de Claude Debussy, Busoni et aux tendances de l’avant-garde artistique.
Dans ce contexte, il avait des liens avec les futuristes de Saint-Pétersbourg et
les cercles d’avant-garde russes en général. Lourié a également été actif dans
la Révolution russe. Avec la création de l’Union soviétique, il devient chef de
la Commission de la musique, bien qu’il quitte son poste en 1921 dans des
circonstances peu claires et s’installe à Berlin. Il s’installe ensuite à Paris,
où il rencontre Igor Stravinsky. Comme Stravinsky, en 1941, il émigre aux
États-Unis et devient citoyen américain en 1947. Le
Mime pour clarinette solo (1956) est dédié à Charlie Chaplin, le célèbre
acteur qui a introduit le mime au cinéma. Il est probable que Lourié aurait pu
rencontrer Chaplin aux États-Unis, comme Stravinsky l’a fait. Dans un contexte
atonal, certaines ressemblances modales et tonales sont perceptibles dans cette
pièce, qui est riche en contrastes entre différentes idées musicales qui
suggèrent différents personnages. Avec ses mélodies expressives, le résultat
évoque une pantomime pour l’instrument.
L’enregistrement se termine avec les
Trois pièces pour clarinette solo (1918) d’Igor
Stravinsky (1882-1971), une œuvre célèbre dans la littérature pour
clarinette solo. Comme Lourié, Stravinsky a grandi à Saint-Pétersbourg, où il a
été l’élève de Nikolaï Rimski-Korsakov. Au cours des années 1910, sa musique
connaît déjà un succès à Paris, notamment grâce à sa collaboration avec Sergueï
Diaguilev et les Ballets russes. Les Trois
pièces pour clarinette solo ont été écrites pendant le séjour de
Stravinsky en Suisse (1914-1920), avant ses périodes de résidence sans doute
plus connues en France (1920-1939) et aux États-Unis (à partir de 1939). L’exil
en Suisse
a commencé avec le déclenchement de la Première Guerre mondiale. Stravinsky et
sa famille ont passé la majeure partie de ce temps à Morges, en dehors de
Lausanne. En Suisse, Stravinsky était soutenu par les maecenas Werner Reinhart,
qui était également clarinettiste amateur. Dans sa ville de résidence –
Winterthur – Reinhart a été une figure clé pour le développement de la vie
musicale, en particulier à travers son soutien à la musique contemporaine. Parmi
d’autres musiciens et intellectuels, il a parrainé Rainer Maria Rilke, Paul
Hindemith et Krenek. Reinhart parraine la première représentation de L’Histoire
du soldat (1918) de Stravinsky à Lausanne. En 1919, il parraine
une série de concerts de musique de chambre de Stravinsky dont sa Suite
de L’Histoire du soldat (1919). Les Trois
pièces pour clarinette solo sont dédiées à Reinhart, bien qu’elles aient
été créées par le clarinettiste professionnel suisse Edmond Allegra. Suivant la
recommandation du compositeur dans la partition, les deux premières pièces sont
jouées dans cet enregistrement par la clarinette A, étant les seules que
Rodríguez joue avec cet instrument. La première pièce est indiquée comme « Sempre
p e molto tranquillo » et incarne vraiment un caractère paisible. Cependant, les
changements continus de rythmes – ressemblant aux motifs mélodiques des
instruments en bois dans Le
sacre du printemps (1913) – recréent une atmosphère flottante. En
revanche, la deuxième pièce est rythmiquement vive, riche en gestes changeants
et virtuoses. La troisième pièce présente une progression rythmique régulière
qui ressemble au « Ragtime » de L’Histoire
du soldat.
Daniela
Fugellie (Université Alberto Hurtado, Santiago du Chili)