Airgang
Marais, M : Suite in D Major, No. 63 - Les Voix Humaines 4:34
Jonathan Stuchbery (luth), Daniel Hamin Go (cello)
Shaw, C : manus tuas 8:37
Daniel Hamin Go (cello)
Ernest Bloch : From Jewish Life 9:31
Pidgorna : Grief Cycles - Variations on “Plyve Kacha Po Tysyni” for Cello & Piano
Benjamin Smith (piano), Daniel Hamin Go (cello)
Habibi, I : Blood Moon 8:15
Daniel Hamin Go (cello)
Schubert : Lob der Tränen D711 (Schlegel) 3:02
Benjamin Smith (piano), Daniel Hamin Go (cello)
Debussy : Sonata for Cello & Piano, L. 135 11:19
Taran Plamondon: Echoes of Arirang - Album Version 6:37
Daniel Hamin Go (cello), The Gil Ensemble and Yemel Philharmonic Society
Arirang [ari – beau ; gang – bien-aimé] est une chanson folklorique coréenne représentative qui exprime toute une gamme d’émotions humaines, de la joie et de la bénédiction à l’indignation et à la lamentation.
Mon premier album, ARIRANG, a commencé comme un voyage personnel à travers la perte, la réflexion et la recherche de sens au milieu du chagrin. Entourée par l’obscurité, j’ai trouvé du réconfort dans les voix des compositeurs qui avaient transformé leur propre souffrance en œuvres d’espoir et de beauté.
Au fur et à mesure que le projet se déroulait, j’ai réalisé que le deuil n’était pas le mien. Le monde s’effilochait dans la douleur – les guerres, l’injustice et l’oppression résonnaient dans tous les coins du globe. C’est à ce moment-là qu’ARIRANG est devenu plus qu’une expression personnelle ; C’est devenu une réponse.
En 2023, j’ai contacté deux amies : Anna Pidgorna, dont l’Ukraine, la patrie, reste en proie à la guerre ; et Iman Habibi, dont l’œuvre rend hommage à Mahsa Amini, une femme kurde-iranienne de 22 ans qui est morte aux mains de la police iranienne après avoir été battue pour ne pas avoir porté le hijab à Téhéran, déclenchant ainsi le mouvement mondial « Femmes, vie, liberté ».
Leurs voix, aux côtés d’œuvres de Bloch, Debussy, Marais, Plamondon, Schubert et Shaw, façonnent l’âme d’ARIRANG. Ensemble, ces pièces tracent un chemin de l’obscurité à la lumière, un témoignage de l’espoir, de la résilience et de l’esprit humain inflexible.
ARIRANG rassemble la musique des 600 dernières années pour explorer les idées d’humanité, de conflit, de prière, de réflexion, d’espoir et de résilience. Les œuvres individuelles sont appariées ou entrelacées pour créer des liens réfléchis pendant que nous écoutons. Nous commençons par la chaleureusement évocatrice Les Voix Humaines pour violoncelle solo de Marin Marais. Marais, fils d’un cordonnier parisien, a acquis une renommée internationale en tant que principal virtuose de la viole en Europe au début des années 1700 et a publié près de 600 œuvres pour son instrument. Celles-ci vont des mouvements de danse et des pièces de caractère à la musique descriptive ou autobiographique inhabituelle : des mémoriaux à ses professeurs, des représentations de cloches qui sonnent et même les subtilités d’une opération médicale. Ici, les voix des êtres humains telles que les écrit Marais – des quintes et octaves pures aux demi-tons et tritons discordants – servent à nous rappeler les consonances et les dissonances de l’interaction humaine. Daniel remarque qu’en ce qui le concerne, nous avons besoin de plus de dissonance, pas de moins, mais de trouver des moyens d’aborder les crises avec soin et amour, pour trouver une voie vers une résolution.
Les voix de Marais se taisent avec l’arrivée de In Manus Tuas de Caroline Shaw, un abandon du contrôle dans la recherche de la paix. Écrit en 2009, l’hommage de Shaw au compositeur britannique du XVIe siècle Thomas Tallis vise à « capturer la sensation d’un seul moment » en entendant le motet In manus tuas de Tallis dans une église du Connecticut. La musique tourne et chante (tout comme le fait le joueur), des accords et des motifs de balancement résonnent sur les cordes avec de brefs fragments de la mélodie de Tallis. « Entre tes mains, Seigneur, » lit-on dans le texte de Tallis, « je remets mon esprit. »
Nous passons à un autre type de prière avec le premier mouvement de De la vie juive d’Ernest Bloch, composé en 1924 alors que Bloch travaillait au Cleveland Institute of Music nouvellement fondé.
Il s’agit de l’une des nombreuses œuvres de l’œuvre de Bloch qui traitent explicitement de questions de culture, de culte et d’histoire juives, et qui utilisent les modes musicaux juifs comme base. « Prayer » est un mouvement passionné, semblable à une chanson, teinté de ténèbres et d’espoir – et à ce stade de l’album, Daniel nous invite à « voyager en arrière et à commencer à réfléchir sur notre passé et notre deuil ». Elle est suivie ici par la première d’une série de nouvelles commandes, de la compositrice ukraino-canadienne Anna Pidgorna. Grief Cycles nous ramène à l’une des guerres actuelles des années 2020. Il s’agit d’un ensemble de variations sur une chanson folklorique ukrainienne qui est maintenant fréquemment jouée au mémorial des soldats tombés au combat. Pidgorna écrit que pour elle et ses compatriotes, « cette chanson contient tout le chagrin non seulement de la dernière décennie de guerre, mais aussi de siècles d’histoire horrible de notre pays et de notre peuple ». Elle déplace son thème à travers six tonalités différentes, les ambiances changeant selon un traité du début du XIXe siècle sur les associations émotionnelles de différentes tonalités. La chanson elle-même, Plyve kacha po Tysyni (« Un caneton nage dans la Tisza ») est une conversation entre une mère et son fils, qui part à la guerre. C’est une rumination tendre, sombre, parfois comme une berceuse sur la peur, la violence et la perte.
Nous revenons à Bloch pour « Supplication », dont la mélodie d’ouverture saisissante est transformée et développée au fur et à mesure que la pièce se déroule sur des accords de piano chatoyants et des rythmes de basse lancinants. C’est en partie la simplicité et la franchise de Bloch qui le rendent si émouvant : sa tentative d’exprimer sa propre conception personnelle de la musique juive. Celle-ci est associée à une autre nouvelle œuvre, Blood Moon d’Iman Habibi, qui est à la fois une supplication et un mémorial en soi. Blood Moon rend hommage à Jina Mahsa Amini (1999-2022), morte aux mains de la police iranienne après avoir été battue pour ne pas avoir porté le hijab à Téhéran. Une série de manifestations a suivi à travers l’Iran – les plus importantes dans le pays depuis la révolution islamique de 1979 – et le cri de ralliement « Femmes, vie, liberté » a également inspiré des marches de solidarité dans le monde entier. Blood Moon rend hommage aux « courageuses femmes iraniennes qui continuent de lutter pour leurs droits humains fondamentaux et leurs libertés sociétales », et rend hommage aux femmes du monde entier qui luttent encore pour leurs droits. Écrite selon l’accord persan, la partition contient plusieurs notes qui ne figurent pas dans une gamme classique d’Europe occidentale, souvent présentées comme si le violoncelliste pliait une note d’avant en arrière dans un passage circulaire. La musique semble également évoquer l’écriture de J.S. Bach dans ses lignes fluides et dramatiques : musique de deuil, de prière, de rage et de catharsis.
Après le sombre « Chant juif » – le dernier des trois mouvements de Bloch De la vie juive et le plus obsédant et troublant de l’opus – nous entendons une chanson d’un genre différent. « Si cela ne décrit pas la définition de ce qu’est vraiment l’espoir, dit Daniel, je ne sais pas ce qui le fait ». Lob der Tränen de Schubert est un hommage au pouvoir guérisseur des larmes, un Lied intime et doucement lyrique dans lequel le poète August Wilhelm von Schlegel réfléchit que les pleurs révèlent « les champs du ciel... toutes les passions féroces sont étouffées... Comme les fleurs sont ranimées / par la pluie, / Ainsi nos esprits fatigués reviennent à la vie.
Avec l’espoir viennent la force et la résilience. La Sonate pour violoncelle de Claude Debussy est une œuvre écrite par un homme qui souffre profondément à la fois de la dépression du déclenchement de la Première Guerre mondiale et de son combat contre le cancer qui le tuera quelques années plus tard. « Je ne sais pas s’il faut rire ou pleurer », écrit Debussy à un ami à propos de ses divers projets musicaux en ces temps difficiles. « Peut-être les deux ? » Sa Sonate est en trois mouvements, commençant par un prologue fluide, semblable à un récitatif. L’écriture de Debussy résonne des formes délicates, des gestes et des couleurs de Couperin et d’autres compositeurs français du XVIIIe siècle, dont il aimait et admirait tant la musique. La Sérénade est incertaine et étrangement clownesque, le violoncelliste pinçant, s’inclinant et glissant autour de l’instrument. Nous entrons sans heurts dans le finale, dans lequel Debussy exige un jeu rapide, « léger et nerveux » qui est interrompu à plusieurs reprises et le tout se termine brusquement, le violoncelle prenant le contrôle dans un bref récitatif suivi d’une série d’accords vifs : une série de points musicaux.
La pièce finale est, comme le dit Daniel, « un point culminant, une offrande musicale « avec le recul » qui reflète, célèbre et anticipe ce qui est possible ». Echoes of Arirang est une célébration et une commémoration du 80e anniversaire de la libération nationale coréenne. « Arirang » est une chanson folklorique traditionnelle coréenne, vieille de plus de 600 ans et inscrite sur la liste du patrimoine culturel immatériel de l’UNESCO. Il existe en milliers de variations et est constamment réinterprété et interprété de nouvelles manières. La première section d’Echoes of Arirang est basée sur une version de la chanson intitulée 'Holo Arirang', ou 'Arirang Alone', un hommage pop à la version la plus connue d’Arirang, écrite par HanDol (Heung-Gun Lee) en 1989. Un interlude mineur s’ensuit, évoquant le concept émotionnel de Han : colère, rage, chagrin et traumatisme. De cette section plus sombre, nous retournons à Holo Arirang, mais cette fois plein de vie et d’espoir, qui éclate dans l’hymne national coréen, un moment de joie et de solidarité. La dernière section présente la version la plus familière de la chanson aujourd’hui – mais Daniel a fait un petit ajustement dans les paroles. L’original se réjouit de l’époque où les gens arriveraient « au-dessus de la colline d’Arirang » ; mais pour Daniel, nous ne pouvons plus attendre d’être au-dessus de la colline. « En tant que personnes et en tant que communautés, nous devons nous tenir la main et travailler pour un avenir meilleur. »