Avant l'orage : French String Trios, 1926–1939
Cedille CDR90000212 (2 CDs)
Black Oak Ensemble
Desirée Ruhstrat (violin)
Aurélien Fort Pederzoli (viola)
David Cunliffe (violoncello)

14 Jul 2022
Length : 2 hours 7 minutes

 

 

CD 1

Tomasi, Henri Fredien (1901-71) : Trio à cordes en forme de divertissement 18:06

  1. I. Prélude 2:16
  2. II. Nocturne 4:46
  3. III. Scherzo 5:53
  4. IV. Final 5:11

Jean Cras (1879–1932) : Trio pour violon, alto et violoncelle 24:00

  1. I. Ier mouvemen 7:33
  2. II. Lent 6:51
  3. III. Animé
  4. IV. Très animé

Goué, Émile (1904-46) : Trio for Violin, Viola & Cello 14.36

  1. I. Presto 3:28
  2. II. Adagio 6:30
  3. III. Final en forme de tarantelle 4:38

Françaix, Jean (1912-97) : Trio à cordes 12.38

  1. I. Allegretto vivo 1:58
  2. II. Scherzo 3:15
  3. III. Andante 3:46
  4. IV. Rondo 3:39
CD 2

Robert Casadesus (1899–1972) : Trio à cordes 15:44

  1. I. Allegro con brio 4:31
  2. II. Légende 6:44
  3. III. Allegro aperto 4:23

Samazeuilh, Gustave (1877-1967) : Suite en trio for Violin, Viola & Cello 21:00

  1. I. Prélude 3:40
  2. II. Française 3:59
  3. III. Sarabande 4:50
  4. IV. Divertissement 2:34
  5. V. Musette 2:24
  6. VI. Forlane 3:33

Pierné, Henri Constant Gabriel (1863-1937) : 3 Pièces en trio 21:01

  1. No. 1, Modéré, sans lenteur 9:06
  2. No. 2, Chanson 6:29
  3. No. 3, Les trois clercqs de Sainct-Nicholas 5:26

ALBUM DETAILS

PRODUCER : James Ginsburg
ENGINEER : Bill Maylone
PUBLISHERS :

RECORDED
June 9–11, 2021, Nichols Concert Hall, Music Institute of Chicago, Evanston, IL (Tomasi and Casadesus)
July 7–8, 2021, North Shore Congregation Israel, Glencoe, IL (Samazeuilh)
September 30, 2021, North Shore Congregation Israel (Cras)
November 9, 2021, Nichols Concert Hall (Goué)
November 22, 2021, North Shore Congregation Israel (Pierné)
January 27, 2022, North Shore Congregation Israel (Françaix)

GRAPHIC DESIGN
Madeleine Richter

COVER PHOTO
Alamy Photos © The Rond Point and Place Georges Clemenceau Paris, 1931

 

Avant l'orage

Notes par Elinor Olin

Un trio à cordes est à la fois un genre de musique et un type d’ensemble d’interprétation; les deux sont rares et difficiles à trouver dans leurs formes les plus exquises. En Français, l' Les instruments sont violon, alto (alto) et violoncelle. Quoique De nombreux compositeurs ont (peut-être à tort) laissé tomber le trio à cordes en faveur de D’autres types de musique de chambre plus courants, ils peuvent être de véritables joyaux lorsqu’ils sont exécutés par des solistes du plus haut niveau. Dans l’ensemble, l’équilibre du son et le pitch doit être impeccable; Pour chaque joueur, il n’y a nulle part où se cacher. Le Noir Oak Ensemble — trois solistes qui interagissent comme cet ensemble superlatif — a s’est donné pour mission de rechercher des trios à cordes inconnus. Trois œuvres reçoivent leurs enregistrements en première mondiale sur ce disque.

Chacun des compositeurs représentés a une voix musicale et un tempérament uniques, et tous ont résisté aux « -ismes » du début du 20ème siècle dans l’entre-deux-guerres — soit en tant qu’outsiders (en particulier Cras, Goué et Tomasi), soit par l’intermédiaire de indépendance obstinée. Pourquoi ces compositeurs ont-ils choisi d’écrire des trios à cordes ? La chronologie de la composition de ces œuvres, en vue d’une autre À l’approche de la guerre mondiale, peut avoir influencé le choix d’un genre facilement réalisé par seulement trois instruments facilement transportables. Un thread de connexion ces œuvres et la période de leur création est le Trio Pasquier: trois frères (Jean, violon; Pierre, alto; Étienne, violoncelle) pour qui Casadesus, Françaix, Pierné, Samazeuilh et Tomasi ont écrit et dédié leurs trios à cordes. Les frères Pasquier étaient le meilleur jeu d’Europe et a continué à interpréter ces œuvres dans des émissions de radio, même pendant la guerre années. Le Black Oak Ensemble poursuit son héritage en apportant ces joyaux à auditeurs du 21e siècle.

HENRI TOMASI (1901–1971)
Trio à cordes en forme de divertissement (1938) “Pour les frères Pasquier”

Henri Tomasi est né à Marseille le 17 août 1901 de parents corses. Son père, flûtiste amateur qui a publié plusieurs recueils de corse chansons folkloriques, a encouragé son fils à étudier la musique - et lui a interdit de poursuivre Son premier intérêt, une vie en mer. Le jeune surdoué Tomasi a remporté les premiers prix en solfège, piano, et harmonie au Conservatoire de Marseille puis, avec l’aide financière d’un bienfaiteur, s’installe à Paris pour assister à la Conservatoire National Supérieur de Musique. Ses études retardées par la Première Guerre mondiale, il a été forcé de gagner sa vie en jouant du piano dans les cabarets de la Pigalle et dans les salles de cinéma muet, où il a appris à improviser et à Répondez musicalement à la variété des émotions montrées à l’écran. En 1927, il a obtenu les honneurs au Conservatoire de Paris en composition et direction d’orchestre. Immédiatement après, il entame une carrière renommée de chef d’orchestre, d’abord avec l’orchestre des Concerts du Journal puis, en 1931, pour Radio-Colonial, l’une des premières radios françaises. Membre fondateur de la Société Triton, Tomasi a été active - à partir de 1932 avec Jean Francaix, Gabriel Pierné, Francis Poulenc, le Trio Pasquier, et d’autres — dans ce Groupe dédié à la promotion et à l’encouragement de la musique contemporaine.

Le succès international de Tomasi en tant que chef d’orchestre a dépassé sa renommée en tant que compositeur surtout en France. Mieux connu aujourd’hui pour sa trompette virtuose et concertos pour trombone, son impressionnante production de composition de près de 120 Les numéros d’opus vont de la grande échelle (opéras, ballets, concertos et œuvres symphoniques) aux plus intimes, y compris la musique de chambre pour un Remarquable variété de groupes instrumentaux. Les racines méditerranéennes de Tomasi sont reflétée dans de nombreuses compositions, depuis les premières Variations sur un thème corse (1925) pour quintette à vent à ses Trois Pastorales Provençales pour deux guitares et orchestre à cordes (1966). Son scénique, Les santons (provençal pour « petits saints ») est venu la même année que le Trio à cordes, et les deux Les pièces partagent des références mélodiques à une chanson folklorique de la région.

Le Le Prélude d’ouverture du Trio présente un langage harmonique résolument conservateur, et Les rôles traditionnels pour violon avec alto et violoncelle accompagnateurs sont renforcé par une figure rythmique de quatre notes qui peut être une référence à Beethoven. L’implication du titre divertissement est plus mise en évidence dans le deuxième mouvement, Nocturne, où l’auditeur est amené doucement dans Un idiome musical plus récent comme les thèmes superposés du violoncelle et du cercle d’alto Autour de l’intervalle dissonant du triton bercé dans le balancement, Barcarolle Rythmes. L’entrée retardée du violon dans un mètre différent (4/4 contre 12/8 des autres instruments) est presque choquant dans sa simplicité Présentation de la mélodie, tandis que la texture complexe des instruments Les combinaisons sont magistralement Français.

Le La mélodie d’ouverture énergique du virtuose Scherzo est rapide et transparente transmis d’un instrument à l’autre, créant l’impression d’un Ligne unique et de grande portée. La section « Trio » non balisée du mouvement ralentit rythme et cite le Nocturne précédent avant de revenir à l’énergique caractère du Scherzo.

Le « Final » évoque une danse folklorique festive, avec un accompagnement en cinquième ouvert en l’alto et le violoncelle soulignant une mélodie vive dans le violon. Ceci La mélodie est très similaire à l’air provençal, « Les Olivettes », cité dans d’autres œuvres de Tomasi, dont Les Santons mentionnées ci-dessus. La section Le format de la finale bien construite reflète un autre Tomasi récurrent Caractéristique: couleurs en constante évolution, parfois très contrastées de un kaléidoscope auditif.

Le musicologue Frédéric Ducros a remarqué que la musique de Tomasi a été reléguée à « une négligence injuste, attendant d’être découverte par les musiciens d’aujourd’hui ». Noir L’enregistrement en première mondiale d’Oak Ensemble est une étape importante vers cet objectif méritait une reconnaissance plus large.

JEAN CRAS (1879–1932)
Trio pour violon, alto et violoncelle (1926)

Comme son jeune contemporain Tomasi, le Breton Jean Cras a été attiré par le mais, contrairement à Tomasi, a choisi une carrière dans la marine Français. Le fils d’une marine Docteur, Cras menait une double vie. Son personnage public était celui d’un naval. officier et scientifique qui a finalement atteint le grade de contre-amiral et est crédité de l’invention du règle-rapporteur Cras, une boussole de navigation qui est devenue la norme pour tous les Français armés après 1917. Sa vocation plus privée en tant que compositeur était en grande partie réalisé en mer - parfois dans des circonstances périlleuses en temps de guerre.

Dans Préparation à sa carrière navale, Cras a reçu une formation avancée en sciences et l’architecture. En tant que compositeur, Cras était essentiellement un autodidacte. Son formation musicale, d’abord de sa mère, dans les célèbres salons Cras a interprété des sonates pour piano de Beethoven et du violon ou de l’alto dans sa corde quatuors, n’incluait pas les études conservatoires. Étude privée avec compositeur Henri Duparc, au cours d’une interruption de trois mois de sa carrière militaire, a fourni son seulement une véritable formation à l’harmonie, au contrepoint et à la forme musicale.

La production compositionnelle de Crachs comprend des œuvres scéniques, orchestrales et chorales. Son Cependant, le moyen d’expression préféré était la musique de chambre. Cela peut être vu en particulier dans ses œuvres de maturité, toutes sauf deux (écrites entre 1922 et 1929) sont écrites pour ensembles de chambre.

Cras a écrit son Trio pour violon, alto et violoncelle entre mars et juin 1926 alors qu’il était stationné à Lorient, un important port naval sur la côte bretonne. Le premier mouvement n’a pas de tempo ou de titre, reflétant peut-être le Des perspectives scientifiques sans fioritures. Figuration oscillante et syncopée dans le Le violon et l’alto sont opposés à des notes carrément répétées au violoncelle.

Reprises peu à peu par les trois instruments, ces figures ondulantes se développer en matériel thématique qui constitue la base du mouvement. Un Le motif angulaire à deux points est introduit par opposition au violon planant mélodies avant le retour du thème initial, d’abord dans un tempo doublé En rythme et marqué Martelé (littéralement « Hammered », un coup d’arc avec une attaque percussive de Sforzando et un silence entre les notes). Le matériel thématique d’ouverture revient à la fin Le mouvement calmement, ralentissant progressivement jusqu’à un accord soutenu.

Le La structure du deuxième mouvement est un hommage au mouvement lent de Le quatuor à cordes opus 132 de Beethoven, dont Cras a toujours fait partie gardé à ses côtés pendant son service naval. Infusé dans les références classiques sont nombreux éléments de la musique folklorique bretonne, y compris de fréquentes allusions au biniou, une cornemuse bretonne. L’accompagnement d’alto/violoncelle en cinquième ouverture au début de la Le mouvement fournit une base sonore authentique à l’inflexion modale ligne de violon. Une cadence de violon évoque encore la musique folklorique bretonne avec le « fifing » style de la bombarde (un instrument de type hautbois) avant que le mètre ne passe à 7/4, faisant écho à la métrique irrégularité du phrasé mélodique dans les chansons folkloriques celtiques. Le mouvement se ferme avec la superposition d’imitation canonique entre l’alto et le violoncelle Coïncidence avec une bombarde inspirée Mélodie de violon, épicée d’harmoniques et de figurations colorées.

Le troisième mouvement léger, marqué Animé avec un tempo strict de 138 temps par minute mais « pas plus vite », présente chaque instrument en tant que soliste, souvent contre un accompagnement régulier et ouvert dans les autres parties. Ceux-ci Les lignes solo comprennent des passages virtuoses multilinéaires simulant le couple bombarde + biniou — joué par un seul instrument à cordes.

Le Le dernier mouvement est le plus illustratif de la remarque du compositeur selon laquelle « le l’ambiance générale de l’œuvre est bretonne (comme son auteur). C’est une gigue celtique basé sur la danse Tro de Cournouoaille, introduite par le violoncelle avec entrées superposées par alto et violon. Les rythmes de gigue triplet se transforment en ondulation sous-courant pour la mélodie modale relativement lente du violon. Le Le mouvement se termine par la mélodie de danse initiale, développée et élargie dans la gamme mettre en vedette les capacités techniques et expressives de chacun des instruments.

ÉMILE GOUÉ (1904 –1946)
Trio pour violon, alto et violoncelle (1939)

Lorsqu’il est mentionné dans les sources biographiques, Émile Goué est connu pour ayant donné sa vie pour son pays. (Une œuvre récente s’intitule Compositeur mort pour la France.) Mathématicien et physicien de formation, Goué était également passionné de musique; sa thèse était « Une étude expérimentale de les qualités sonores du tambour drum. » Après avoir été autorisé à enseigner en les sciences, Goué s’inscrit comme étudiant pour étudier la contrebasse au Conservatoire de Toulouse. Pour aider à défrayer les frais de scolarité, il a accompagné films muets au piano, improvisation et traduction des images visuelles en musique. Cette formation non conventionnelle a été complétée par des études privées en harmonie et contrepoint avec le compositeur Charles Koechlin. Goué était mobilisé comme lieutenant dans l’armée Français en 1939 et capturé comme Prisonnier de guerre en 1940. Pendant les cinq années, il a été détenu au Stalag Oflag XB, Goué a réussi à enseigner la musique, la physique et la chimie; former et diriger un orchestre; et à composent la majorité de ses œuvres existantes. Peu après son retour à Paris, Goué a succombé à une infection pulmonaire provoquée par son expérience en tant que prisonnier de guerre.

Écrit juste avant le déploiement militaire du compositeur, le trio à cordes de Goué commence dans un tempo Presto avec une présentation à l’unisson de son thème principal. Changements fréquents de mètres combinés à un langage harmonique qui n’est pas tout à fait tonal, faisant allusion à un idiome pentatonique, donne à ce mouvement un sens de mouvement imprévisible vers l’avant. Le deuxième mouvement Adagio, avec sa douceur Le thème rock dans le violon (et plus tard l’alto) est comme une berceuse, avec accompagnement dérivé du mouvement précédent. L’harmonique de l’Adagio Le langage est substantiellement chromatique, avec des cadences sectionnelles surprises sur accords majeurs simples.

Le Le mouvement final présente un thème vif et rebondissant, introduit par le violoncelle. Inspiré de la danse folklorique, il offre le profil triplet et l’énergie d’une tarentelle. Une section lente lyrique offre un répit temporaire avant la danse énergique Le thème revient dans des entrées contrapuntiques fragmentées et qui se chevauchent. Le Le mouvement, et en fait l’ensemble de l’œuvre, se résume avec le violoncelle obtenant le Le dernier mot.

Le Trio à cordes de Goué occupe une place particulière dans l’œuvre du compositeur tel qu’il était chanceux d’entendre l’œuvre créée à Paris, aux côtés de son mentor Charles Koechlin, en mars 1946, six mois seulement avant sa mort prématurée.

JEAN FRANÇAIX (1912 –1997)
Trio (1933) “A Messieurs Etienne, Pierre et Jean Pasquier”

Jean Françaix était le fils de parents musiciens qui ont étroitement supervisé son l’éducation précoce. Sa mère était professeur de chant et fondatrice d’un chœur célèbre; son père, compositeur, pianiste, musicologue, et Directeur du Conservatoire du Mans. L’aptitude musicale de Jean est reconnue tôt. Maurice Ravel écrivait à Françaix père : « Parmi les dons de l’enfant, je Observez surtout le plus fécond qu’un artiste puisse posséder, celui de la curiosité : Vous ne devez pas étouffer ces précieux cadeaux maintenant ou jamais, ou risquer de laisser cela la sensibilité des jeunes dépérit. À l’âge de quatre ans, le jeune Françaix improvise au piano; À dix ans, il a été accepté comme étudiant de l’harmonie par le célèbre la pédagogue Nadia Boulanger, qui a par la suite interprété ou dirigé de nombreux premières de ses œuvres. Poursuivant sa formation au Conservatoire de Paris, Françaix a reçu les honneurs en composition et en interprétation au piano. À A 20 ans, il interprète son Concertino pour piano et orchestre avec le prestigieux Concerts Lamoureux. Il a fait de nombreuses tournées en tant que soliste interprétant son propre musique, et avec de nombreux autres instrumentistes, dont Étienne, Pierre, et Jean Pasquier, les dédicataires de son trio à cordes de 1933.

La production compositionnelle de Françaix englobe des œuvres dans un large éventail de genres: cinq opéras, un oratorio monumental, de la musique orchestrale (dont concertos solo pour instruments à vent), musique de film et 16 ballets. Chambre La musique semble avoir été un médium privilégié : une variété d’œuvres pour combinaisons de 2 à 12 instruments, en plus de ses compositions pour solo piano, forment une partie substantielle de son œuvre.

Souvent étiqueté compositeur néoclassique, un descripteur qui englobe à peine la tessiture et l’ampleur de son expression, Françaix a écrit ce trio à cordes en utilisant des structures traditionnelles, avec une clarté de texture notable, une agilité, et humour caractéristique. Avec trois mouvements sur quatre curieusement marqués « Vivo », Françaix laisse aux interprètes le soin de choisir à quel point il est vivant. leur performance devrait l’être. Le premier mouvement, Allegretto vivo, est une moto perpetuo avec des notes constantes de 16e décrivant des intervalles mélodiques proches dans fragments d’échelle répétés. Ces morceaux de gammes mélodiques sont parfois élargi rythmiquement pour donner à différents solistes la vedette. Total Le mouvement est énergique mais retenu, avec des niveaux dynamiques prédominants de pianissimo (pp) et pianississimo (ppp).

Le le deuxième mouvement est un Scherzo ludique dans le format tripartite traditionnel avec une section centrale contrastante et un retour à la section « A ». Semblable à la danse Les rythmes sont exécutés avec une alternance rapide de pizzicato (pincé) et d’arco (inclinées) directives. Les syncopes transversales ajoutent de la complexité au des échanges rapides de matériel thématique d’un instrument à l’autre. La section Trio non étiquetée est marquée « Ironico » et introduit un rustique élément avec des hésitations intentionnelles et une syncope pour contraster le sophistication de la section précédente. Le mouvement dans son ensemble joue sur le les attentes de l’auditeur à l’égard de rythmes de danse stables et les appels à une Performance d’ensemble habile.

Le Le mouvement Andante présente une mélodie cantabile solo contre soutenue, lentement changement d’accords dans les autres instruments. Compteurs de changement de vitesse (alternance 4/4 et 3/4) donner à la musique un phrasé poétique, comme si des paroles inédites étaient façonner la syntaxe de la mélodie. Le Rondo final, encore une fois marqué « Vivo », est le plus virtuose du Trio –
un hommage aux talents d’interprète de ses dévoués, le Trio Pasquier. Le Rondo combine les deux éléments de danse du mouvement Scherzo : agile espièglerie et sarcasme plus lourd. Il y a un humour Haydnesque à les pauses vides occasionnelles, les syncopes de pizzicato décalées, et accords de glissement marqués perdendosi (mourant). Les dernières barres nous laissent avec Un dernier mot espiègle, un accord pizzicato d’ensemble PPP.

ROBERT CASADESUS (1899 –1972)
Trio à cordes (1938) “Au Trio Pasquier”

Le descendant d’une famille musicale multigénérationnelle d’origine catalane, Robert Casadesus est surtout connu comme un pianiste de concert et pédagogue de premier plan, moins en tant que compositeur. Ses oncles étaient le chef d’orchestre et compositeur Francis Casadesus, le violoncelliste Marcel Casadesus et le violoniste Marius Casadesus. Son père, le Seul non-musicien de sa génération, était un acteur et un théâtre bien connu réalisateur connu sous le nom de scène Robert Casa. Initialement encouragé à prendre Au violon, Robert, âgé de trois ans, choisit catégoriquement le piano. À l’âge de dix ans, il entre au Conservatoire de Paris et étudie avec un élève de Franz Liszt. La Première Guerre mondiale interrompt son entraînement; L’appel forcé de son père Le jeune pianiste cherche un emploi de percussionniste supplémentaire au orchestre du Théâtre de l’Opéra Comique. Après avoir établi un carrière de pianiste virtuose, Casadesus devient professeur de piano à la Conservatoire américain de Fontainebleau. Après la Seconde Guerre mondiale, il a fait Princeton son port d’attache.

Casadesus a notamment fait des rouleaux de piano en duo et a tourné avec son ami proche Maurice Ravel. Son enregistrement de l’intégrale des œuvres pour piano de Ravel continue d’être vénéré, tout comme ses albums des concertos pour piano de Mozart avec George Szell et Sonates pour violon et piano de Beethoven avec Zino Francescatti (une clôture ami de Tomasi).

De nombreuses compositions de Casadesus, dont quatre symphonies et cinq pianos concertos, restent en manuscrit. Sa production publiée est en grande partie pour piano, allant des œuvres pour piano solo et duo aux sonates pour piano et flûte, violon, et violoncelle, respectivement. Son trio de 1938 à cordes, opus 25, le seul ouvrage publié dans le catalogue de Casadesus musique de chambre à cordes (comprenant de nombreux trios, quatuors et quintettes), n’a jamais été enregistré jusqu’à présent.

Les compositions de Casadesus sont relativement peu nombreuses. Selon sa fille, Thérèse Rawson, il écrivait surtout dans les trains, entre les représentations. Le premier mouvement du Trio à cordes, Allegro con brio, présente des motifs rythmiques imbriqués dans combinaisons métriques contrastées. Le mouvement constant de ces rythmiques Les modèles pourraient suggérer l’expérience du voyage en train. Parfois se chevauchant, parfois simultané, chacun des trois instruments participe également dans une texture contrapuntique élégante et finement travaillée.

Dans le deuxième mouvement, Légende, le tempo lent, un 5/4 un peu troublant mètre et cordes sourdes se combinent pour évoquer une atmosphère enveloppée de brume. Le caractère doucement lyrique de cette section d’ouverture avec sa grâce notée, Les mélodies lentes sont juxtaposées à une section centrale énergique de Vivo scherzando mettant en vedette une figure d’arabesque rebondissante et des rythmes à travers la barre écrits dans un syntaxe modale. Un lent monologue à l’alto revient à une répétition de la section d’ouverture. Le mouvement se termine par un court extrait à l’unisson du Vivo scherzando.

Le Le marquage inhabituel du tempo Allegro aperto (Open Allegro) semble un indice pour le nature sans contrainte du mouvement final du trio. Le plus dissonant des Troisièmement, il commence par une mélodie dramatique et large au violon, accompagnée par une excitation semblable à un trémolo à l’alto et au violoncelle. La mélodie du violon fournit une grande partie du matériel thématique du mouvement qui, en avec le charisme théâtral de son ouverture, présente des ambiances contrastées dans les sections marquées « Murmurando » (murmure), « Deciso » (décisive), et « Appassionato » (passionné). Le mouvement se termine par une reformulation ff de son thème d’ouverture dramatique.

Le Trio à cordes de Casadesus est l’expression d’une voix de composition unique, alliant artisanat d’art et sincérité poétique qui n’est redevable à aucune « école » ou mouvement esthétique partisan.

GUSTAVE SAMAZEUILH (1877–1967)
Suite en trio pour violon, alto et violoncelle (1937) “Au Trio Pasquier”

Gustave Samazeuilh était très apprécié en tant qu’écrivain — de critique musicale comme ainsi que des compositions musicales. Il était un disciple de plusieurs Français emblématiques compositeurs, dont Claude Debussy, dont Samazeuilh, 19 ans, a reçu un tutorat individuel sur des partitions telles que Prélude à l’après-midi d’un faune. Déclarant « J’étais, je suis, un Debussyste », Samazeuilh est devenu un publiciste officieux pour la musique de son mentor. Il par la suite, il s’inscrit à la Schola Cantorum, où il étudie avec son fondateur, compositeur Vincent d’Indy. La Schola avait une réputation, comme Samazeuilh raconté plus tard, pour « imposer un catéchisme de strictes allégeances » — un référence au programme alors
novateur de l’école basé sur l’étude du chant grégorien et de la palestrina. Sa critique musicale a honoré les revues musicales les plus influentes du 20e siècle, fournissant des commentaires instruits et perspicaces sur les premières des grandes œuvres d’Ernest Chausson, Paul Dukas, d’Indy et d’autres. Un pianiste talentueux, Samazeuilh a réalisé plus de 100 transcriptions pour piano d’œuvres orchestrales de Debussy, d’Indy, Dukas, Fauré, Franck, Ravel et d’autres.

La Suite en trio pour violon, alto et violoncelle prend la forme d’une suite de danse baroque. Les titres des mouvements correspondent aux pas de danse employés dans les Français Musique instrumentale du 18ème siècle par J.S. Bach et d’autres. À l’origine un piano travail, le compositeur l’a réécrit en trio à cordes largement interprété par le Trio Pasquier dans les années 1930 et 40. Le Black Oak Ensemble présente le monde Premier enregistrement de cette configuration.

Le l’ouverture Prélude présente une texture multicouche avec une mélodie langoureuse, Chaque instrument prenant un tour solo soutenu par un accompagnement à deux voix : Filigree 16e notes plus une contre-mélodie qui obscurcit souvent les rythmes de la ligne mélodique principale. Les changements de tempo fluides évoquent la nature improvisatrice de un prélude de Bach. Le chromatisme de l’accompagnement, cependant, présente un Monde sonore harmonique et mélodique beaucoup plus moderne.

Le le titre du deuxième mouvement, Française, est probablement une référence à la contredanse baroque française, la danse Français la plus populaire du 18ème siècle, mettant en vedette figures rythmiques répétées lent-rapide-rapide (comme ici). Samazeuilh recrée un Esthétique raffinée et courtoise tout en ajoutant syncopes et dissonance harmonique pour les épices.

La sarabande était A l’origine une danse passionnée et sensuelle accompagnée de castagnettes. Même Sans les castagnettes, les connotations sensuelles de la danse sont conservées par les lignes mélodiques sinueuses de Samazeuilh et son tempo lent et sensuel.

Un divertissement a été une scène dans un opéra Français du 17e ou 18e siècle, incorporant la danse, la chorale chant, et un intermède instrumental ou deux. Les changements d’humeur sectionnels de le mouvement Divertissement du trio rappelle peut-être un segment en plusieurs parties d’un travail scénique. Ou cela pourrait simplement refléter le sens général du mot: divertissement.

Une musette est soit un instrument de cornemuse, soit un mouvement de style danse tel que la « Gavotte ou la musette » de la Troisième Suite anglaise de Bach, dont le cinquième mouvement du trio de Samazeuilh présente une ressemblance frappante. Le drone open-fifth Le son de la musette est introduit par le violoncelle dans la dernière section du mouvement.

Le la dernière pièce de la Suite en Trio est une forlane, Historiquement, une danse de parade nuptiale et fougueuse et plus tard un élément populaire au 17ème siècle Français ballet de cour. Samazeuilh demande aux musiciens de interpréter « Très animé et joyeusement » et conserver le court upbeat plus long rythme descendant de la danse forlane, bien que mis à jour avec des syncopes qui seraient difficiles à faire pour les danseurs suivre. La pièce se termine par une série de courtes sections rappelant le Trois mouvements précédents, suivis d’une Moto Perpetuo rapide et furieuse s’épanouir jusqu’à la fin.

GABRIEL PIERNÉ (1863–1937)
Trois pièces en trio (1937)

Gabriel Pierné est l’homme d’État le plus âgé parmi les compositeurs réunis sur ce enregistrement : à l’âge chronologique, statut public de chef d’orchestre renommé, et expérience vécue. Né à Metz, qui a évité de justesse d’être cédé au Allemands en 1871, Pierné a vécu la guerre franco-prussienne et la guerre mondiale J’ai vu le chaos qui avançait et qui a conduit à la Seconde Guerre mondiale. Pierné a assisté à la Conservatoire de Paris où il étudie la composition avec Jules Massenet et sont devenus des amis pour la vie avec Debussy. Il s’est brièvement lancé dans une carrière de pianiste de concert, écrivant de la musique pour piano solo pour ses performances. Quand César Franck est décédé en 1890, laissant un poste vacant d’organiste à l’église de Sainte Clotilde à Paris, Pierné a été sollicité pour remplir ce très estimé position.

Dans 1910, il accepte la direction des célèbres Concerts Colonne, la réalisation d’une saison d’abonnement de 48 concerts ainsi que des concerts au Français provinces et villes internationales. En tant que chef d’orchestre, il était admiré pour sa technique claire de bâton et son étude approfondie et sa connaissance du répertoire. Il dirige les premières d’œuvres majeures de Debussy et Ravel, et le première de Firebird de Stravinsky pour Les Ballets russes de Diaghilev. Entre les saisons de concerts, Pierné a trouvé le temps de composer dans sa résidence d’été en Bretagne. Sa production compositionnelle comprend : œuvres scéniques (opéras, ballets et musique de scène), orchestre à grande échelle de la musique, de la musique vocale et une production importante pour les ensembles de chambre.

Parmi les dernières œuvres de Pierné, le rois pièces en trio a été créé par le Trio Pasquier sur un Mars 1938 concert de la Triton Society. Les critiques étaient sans vergogne positive, qualifiant l’œuvre de « succès légitime, joué par un éminent groupe. » Une série de rubriques est clairement affichée sur la page de titre décrivant les noms des dédicataires de la composition, les frères Pasquier. « Jean » (C#-E-A-G), « Pierre » (B-B-E-D-D-E) et « Étienne » (E-F#-B-E-G-G-E) sont épelé, chacun dans la clef jouée par l’instrument de ce frère: violon, alto et violoncelle, respectivement. Une rubrique pour « TrioPasquier » suit.

Le Le mouvement d’ouverture utilise les thèmes de nom, un à la fois, dans chacun des lignes instrumentales appropriées. Le thème de Pierre (alto) commence, suivi de Jean et Étienne en superposition contrapuntique soignée. Bien que l’auditeur peuvent ne pas comprendre toutes les implications de ce jeu de noms thématiques, chaque La mélodie est clairement identifiable, présentée dans des rythmes simples. Le l’humeur change lorsque le thème TrioPasquier est introduit; Les valeurs rythmiques Soyez plus rapide et le compteur passe à un 7/8 plus compliqué. Le Pasquier Le thème est juxtaposé à lui-même en contrepoint imitatif, indiquant un Interaction spéciale entre les membres de l’ensemble. Chaque thème revient, parfois en extraits, parfois avec tous les instruments à l’unisson. L’ambiance passe de sérieux à ludique, mais jamais argumentatif; Dans l’ensemble, l' Portrait d’un ensemble exquis.

Le Le deuxième mouvement, « Chanson », commence par une douce mélodie introduite par le alto et accompagné du violoncelle. Le phrasé de l’alto est influencé par rythmes qui n’obéissent pas aux lignes de la barre: l’impulsion métrique régulière est obscurci comme s’il suivait un texte poétique. La texture devient progressivement plus dense avec l’ajout d’une contre-mélodie et d’une chromatique accompagnement avant de revenir au thème d’ouverture et une fin tranquille.

Le le dernier mouvement s’intitule « Les trois clercqs de Sainct Nicholas », et aussi marqué Giocoso – Mouvement d’une marche alerte. Le mouvement porte un épigraphe en faux Français antique, tirée des Histoires de Droll
d’Honoré de Balzac : « Après le déjeuner, trois farcies chats [référence ironique aux trois clercq ou prêtres], à ventre plat et bien lubrifié avec de la boisson, trébuché dans la foule des gens à la foire. » Chacun des instruments joue alternativement un motif court et rapide représentant les chats glissant tandis que les accords de pizzicato simulent le battement de tambour de la « marche d’alerte » de l’indication de tempo. L’humour de l’histoire est également dépeint à travers les glissandos et l’empilement de fragments thématiques. Un nouveau thème, Joué dans des harmoniques aiguës et marqué « comme une chanson populaire », est accompagné de notes répétées de pizzicato au violoncelle marquées « like a small tambour (tambourin). » Humoristique (slapstick?) Des épisodes s’ensuivent. Après un retour du motif initial des chats coulissants, la pièce se termine par des fragments plus courts et plus calmes de ce thème jusqu’à ce que le Les animaux s’effondrent dans une sieste PPP soutenue.

© Elinor Olin 2022

Elinor Olin est professeure à Northern École de musique de l’Université de l’Illinois et a une formation dans les deux musiques performance et histoire de la musique.