Suppressed Composers in the Netherlands Forbidden Music in the Second World War Sous la direction de Carine Alders et de Eleonore Pameijer Préface de Michael Haas Éditeur ‏ : ‎Toccata Press Édition en Anglais Relié ‏ : ‎356 pages ISBN-13 : 978-0-90768-949-2 7 mai 2024	Verfolgte Komponisten in den Niederlanden Verbotene Musik im Zweiten Weltkrieg Alders, Carine [VerfasserIn] Pameijer, Leonore [VerfasserIn] Jamin, Judith [ÜbersetzerIn]. Hentrich & Hentrich Verlag Berlin Leipzig Langue ‏: Allemand Broché : 314 pages ISBN-13 : 978-3-95565-379-‏8 2020	Vervolgde componisten in Nederland Verboden muziek in de Tweede Wereldoorlog Carine Alders (Sous la direction de), Eleonore Pameijer (Sous la direction de) Algemeen (1ere édition) Langue ‏ : ‎Néerlandais Broché ‏ : ‎234 pages ISBN-13 ‏ : ‎978-9-08964-782-5 15 mai 2015

Une collection qui évalue la musique de 34 compositeurs néerlandais qui ont été persécutés par les nazis pendant la Seconde Guerre mondiale.

L’occupation allemande pendant la Seconde Guerre mondiale a détruit la carrière de nombreux compositeurs néerlandais. Certains d’entre eux se sont enfuis ou se sont cachés ; Beaucoup ont été assassinés. Rien qu’aux Pays-Bas, au moins 35 compositeurs ont été persécutés, et la plupart ont ensuite été oubliés. Parmi eux, il y avait des compositeurs juifs comme Daniël Belinfante, Dick Kattenburg, Leo Smit et Rosy Wertheim, mais il y avait aussi des personnalités étrangères qui avaient cherché refuge aux Pays-Bas, comme Hans Lachmann et Ferenc Weisz, ainsi que ceux qui avaient dû entrer dans la clandestinité ou avoir été incarcérés en raison de leurs activités de résistance, comme Jan van Gilse et Marius Flothuis. Quelle musique ces hommes et ces femmes ont-ils composée aux Pays-Bas pendant l’entre-deux-guerres ? Qu’ont écrit les survivants avec le retour de la paix ?
Et quels dommages la tyrannie nazie a-t-elle causés au tissu de l’histoire musicale néerlandaise ?

Carine Alders est une musicologue qui a travaillé pendant dix ans en tant que directrice exécutive de la Fondation Leo Smit à Amsterdam. Elle est actuellement engagée dans un projet de recherche doctorale sur les compositeurs opprimés aux Pays-Bas, leurs réseaux et leurs rôles dans la vie musicale d’avant-guerre et les circonstances qui ont conduit à leur oubli.

Eleonore Pameijer est une flûtiste, fondatrice et directrice artistique de la Fondation Leo Smit, travaillant avec Carine Alders depuis dix ans. Dans le cadre de leur série « Uilenburg Concert », elle a programmé et interprété de nombreuses créations d’après-guerre de cette musique oubliée depuis longtemps. Elle a également réalisé les premiers enregistrements des œuvres de presque tous ces compositeurs, qui ont reçu un accueil chaleureux à l’échelle internationale.

Par Eleonore Pameijer et Carine Alders
Posté le 1 mars 2010

http://orelfoundation.org/index.php/journal/journalArticle/suppressed_music_in_the_netherlands_discovering_hidden_treasures/

La peinture hollandaise est mondialement connue. Chaque année, des milliers de touristes affluent aux Pays-Bas pour admirer des tableaux de Rembrandt, Vermeer, Frans Hals, Van Gogh et Mondriaan.

Comme la renommée de la musique hollandaise est différente ! La Hollande a toujours été sensible à la les puissantes influences culturelles de ses grands voisins, la France et l’Allemagne. C’était certainement vrai au 19ème siècle, lorsque la Hollande était sous l’emprise de traditions musicales allemandes, mais la situation a commencé à changer vers la début du 20e siècle, lorsque la musique française devient plus influente. Bien que cela soit en partie dû à la force d’une nouvelle école de français, compositeurs, le climat politique et culturel aux Pays-Bas était également changeant. Juste avant la Seconde Guerre mondiale, affinité avec la musique française est même devenu une déclaration politique, une déclaration d’opposition au soulèvement régime nazi. Pendant la guerre, ce régime a dicté de nouvelles règles pour les arts et pour les la vie culturelle. L’appartenance à la musique française n’était pas une cause suffisante pour suppression de la musique des compositeurs néerlandais. Il n’y avait pas d’Entartete Kunst en tant que tel. La musique était interdite simplement parce qu’un compositeur était d’origine juive ou refusa de se conformer aux règles nazies. De tels compositeurs ont dû renoncer à leur et leur musique a été interdite de toute représentation publique. Les plus juifs Les compositeurs sont déportés, leurs biens personnels pillés. Beaucoup d’entre eux ont perdu leur vie. Leurs archives personnelles ainsi que leur patrimoine musical ont été Éradiquée.

Après la Seconde Guerre mondiale, une esthétique musicale radicalement nouvelle a commencé à se développer dominent la vie musicale néerlandaise. Cela s’explique en partie par le fait qu’un grand nombre de compositeurs, beaucoup d’entre eux, juifs, avaient péri. La jeune génération a rapidement rempli le vide, revendiquant le modernisme comme le mot d’ordre du jour. À côté de ce nouveau musique d’avant-garde, la musique de la génération d’avant-guerre semblait désespérément suranné. La plupart de la musique néerlandaise de la première moitié du siècle était négligés et méprisés. Les compositions qui avaient survécu à la guerre ne survivent pas à l’examen minutieux des goûts musicaux d’après-guerre.

Pourtant, le tamis du temps est un mécanisme efficace en musique. Si la bonne musique disparaît à la suite de l’évolution de l’esthétique et des styles, il sera tôt ou tard réapparaissent plus tard grâce à sa qualité intrinsèque. Ce n’est qu’aujourd’hui, au début de l’année XXIe siècle, cette musique prend-elle la place qui lui revient dans le courant de l’histoire de la musique. En 1996, la flûtiste Eleonore Pameijer et le pianiste Frans van Ruth a créé la Fondation Leo Smit, du nom du compositeur néerlandais Leo Smit (1900-1943). Leur but était d’offrir une plate-forme à cette musique oubliée, parce qu’ils croyaient en la haute qualité de la génération d’avant-guerre des Néerlandais Compositeurs. Au cours des dernières années, des recherches minutieuses menées par des personnes engagées – avec l’aide de la Fondation Leo Smit – a ramené la musique de compositeurs supprimés aux Pays-Bas. Jurjen Vis a judicieusement intitulé sa biographie de Leo Smit Silhouettes : il a reconstitué la vie du compositeur à partir de bribes et des éléments d’information qui avaient survécu à la guerre. La vie d’autres compositeurs a été reconstitué à l’aide des archives de la ville, des informations de la Croix-Rouge et Coupures.

La Fondation Leo Smit a lancé une série annuelle de « concerts Uilenburger » à la synagogue Uilenburger restaurée à Amsterdam. Plus d’une centaine de concerts depuis le milieu des années 1990. Les compositions redécouvertes sont programmées aux côtés de musiques connues de la même époque ainsi que de musiques contemporaines. Étant donné que de nombreux concerts sont diffusés sur les ondes de la radio nationale, les parents survivants, amis et élèves se souvinrent de ces compositeurs oubliés et commencèrent à à la recherche de manuscrits que l’on croyait perdus. Aujourd’hui encore, les trésors sont encore redécouverts dans les archives, les greniers et les hangars. En 2009, avec l' d’une subvention du gouvernement néerlandais, un inventaire des œuvres a été dressé et la vie de plus d’une vingtaine de compositeurs supprimés. Cet article présente un Aperçu des résultats des deux dernières décennies.

La musique romantique d’Andries de Rosa (1869-1943) et de Samuel Schuijer (1873-1942) était fermement enraciné dans le^19ème siècle. De Rosa a dû recourir à son ancien métier de tailleur de diamants pour subvenir aux besoins de sa famille en en temps de crise, et Schuijer a formé son propre orchestre pour jouer de la musique légère années difficiles. Les compositions de Schuijer ont rencontré un certain succès : il a remporté plusieurs prix prix internationaux et son Préludium pour orchestre a été créé en Stuttgart. En raison de leurs origines juives, les hommes et leurs familles ont été déportés et tués dans les camps de concentration. Plusieurs œuvres de Samuel Schuijer ont récemment été trouvés par des enfants dans la rue près d’une poubelle. Les œuvres de Andries de Rosa sont archivés au Musée historique juif d’Amsterdam. Usine des deux compositeurs ont été créés lors du 100e Concert Uilenburger en janvier 2009.

Parmi les compositeurs de l’ancienne génération, Jan van Gilse (1881-1944) a composé dans un style qui suivait la ligne de Brahms et Mahler, ce qui n’est pas le cas de surprenant, étant donné qu’il a étudié et travaillé en Allemagne pendant de nombreuses années les premières décennies du XXe siècle. Ce n’est pas sa musique qui a causé sa résistance persistante et active contre l’occupation nazie fin de carrière. Sa musique a été interdite et il a été forcé de se cacher. Après que ses deux fils aient été tués en représailles de leurs activités de résistance, Jan van Gilse tomba malade à l’une des adresses où il était caché, le maison de son collègue compositeur Rudolf Escher. Il a été transporté à l’hôpital, où il est décédé et a été enterré sous un faux nom. Parce que Jan van Gilse a joué un rôle immensément important dans la fondation de l’Association des compositeurs néerlandais (GeNeCo) et l’amélioration des conditions sociales des compositeurs, sa vie est bien documentée. Un biographie - Jan van Gilse ; Warrior and Idealist - a été publié par Hans van Dijk. Après la guerre, la musique de van Gilse est considérée comme démodée parce que le style romantique orienté vers l’Allemagne n’était plus apprécié. Seulement récemment, le chef d’orchestre David Porcelijn a redécouvert les hautes qualités de cette musique et a commencé à enregistrer les œuvres symphoniques de van Gilse pour le label allemand CPO.

Sem Dresden (1881-1957) a également joué un rôle important dans la vie musicale aux Pays-Bas dans les premières années du XXe siècle. Dresde a étudié avec Hans Pfitzner au Conservatoire Stern de Berlin. Attirés par le nouveaux développements dans la musique française, il était considéré comme un moderniste à son époque. Comme professeur de composition à Amsterdam et à La Haye, il a encouragé de nombreux jeunes Compositeurs. Avec son collègue Willem Pijper, il a créé la de la Société internationale de musique contemporaine (SIMC). À cause de ses origines juives, il a été contraint de se retirer de son poste de directeur du conservatoire de La Haye. Il a été coupé de la vie publique, mais a continué à composer. L’une des œuvres qu’il écrivit alors est Chorus symphonicus. Basé sur les textes des Psaumes se référant aux difficultés de la vie quotidienne, le travail peut être considérée comme une forme de « résistance passive ». Dresde survécut à la guerre, reprit ses poste à La Haye et a pris sa retraite en 1949. À l’instar de Jan van Gilse, Dresden a siégé au de nombreux conseils d’administration et comités. Bien qu’on se souvienne bien de lui en tant que personne, son Les compositions ont été largement oubliées.

Rosy Wertheim (1888-1949) fut l’une des élèves de Dresde. Elle est née dans une riche famille de banquiers juifs d’Amsterdam. Après avoir reçu un piano diplômée de la Société des musiciens néerlandais, elle a étudié l’harmonie et le contrepoint avec Bernard Zweers et Sem Dresden à l’Amsterdam Music Lyceum. Dans les années 1920, Elle y enseigne le solfège et le piano. Elle a également été chef d’orchestre d’un certain nombre de chœurs d’enfants et de femmes. En 1929, elle part pour Paris, où elle prend leçons de composition de Louis Aubert. Sa maison est devenue un refuge pour les Néerlandais artistes et compositeurs et un véritable salon pour les plus grands compositeurs français Milhaud, Honegger, Messiaen, Jolivet, Ibert et Elsa Barraine. Comme beaucoup d’entre elles Contemporains hollandais, Wertheim a été fortement influencé par la musique française et admirait beaucoup les œuvres impressionnistes de Debussy et de Ravel ainsi que les musique de Stravinsky. Elle a écrit une sonate pour violoncelle, un quatuor à cordes, un piano concerto et de nombreuses œuvres vocales. Plus tard, elle s’est rendue à Vienne et aux États-Unis, mais sont rentrés chez eux alors que les tensions montaient en Europe. À ce stade, il n’est pas clair ce que Arrivé. Sa notice nécrologique la décrit comme une incroyable source de réconfort et de soutien à d’autres pendant les années de guerre. Beaucoup de ceux qui l’ont connue étaient particulièrement reconnaissante pour les concerts clandestins qu’elle donnait dans le sous-sol de sa maison, où elle présentait fréquemment des œuvres de compositeurs juifs dont la musique avait été interdite. Elle a survécu à la guerre mais a perdu la plupart de sa famille. Après la guerre, elle tombe malade et n’a jamais recommencé à composer. En dépit d’une œuvre considérable et de grande qualité, Rosy Wertheim a été largement oublié et n’est même pas inclus dans les anthologies de musique hollandaise du XXe siècle. Ses manuscrits musicaux sont conservés dans les archives de l’Institut néerlandais de musique à La Haye, mais ils restent inédits. Un CD avec un aperçu de sa musique de chambre la plus importante est actuellement (2010) en cours d’enregistrement pour le label néerlandais FutureClassics. La plupart des œuvres de Wertheim sont n’est pas datée, et il ne reste que très peu de documents écrits sur sa vie, rend difficile la construction d’une biographie.

Martin Spanjaard (1892-1942) est surtout connu comme chef d’orchestre. Il a dirigé les orchestres les plus célèbres du monde, dont ceux de Vienne et de Berlin. philharmonique et l’Orchestre du Concertgebouw d’Amsterdam. En 1997, son petit-fils découvert plusieurs compositions de Spanjaard dans des boîtes de qui avaient survécu à la guerre. Spanjaard a étudié le piano avec Willem Andriessen et la composition avec Cornelis Dopper avant de s’installer à Berlin en 1915 pour poursuivre son éducation musicale. À Berlin, il a écrit des chansons sur des textes de Li Tai Po ainsi qu’un Scherzo pour orchestre. Au cours des années suivantes, sa carrière en tant que Le chef d’orchestre a eu un tel succès qu’il n’a pas eu le temps de composer. En 1942, Martin Spanjaard et sa femme Elly Okladek, une harpiste hongroise, tous deux juifs, ont été déportés et tués à Auschwitz.

Bob Hanf (1894-1944) était doté de nombreux talents : il écrivait des romans et joue, peint, joue du violon et compose. Sa mère, Laura Romberg, était un excellent pianiste. Elle donne à Bob ses premières leçons de musique. Ses parents ont envoyé à l’Université de Delft pour poursuivre une carrière technique, mais Hanf a préféré une carrière musicale et a étudié le violon avec Louis Zimmerman et la composition avec Cornelis Dopper. Ses compositions, qui comprennent des chansons sur des textes de Rilke, Kafka et Goethe, sont plus proches de la tradition germano-autrichienne que de la tradition française école. Alors qu’il étudiait la chimie à Delft, Hanf a donné des conférences sur l’art moderne et organisa plusieurs expositions consacrées à des peintres aussi importants que Vassily Kandinsky. Vers 1920, il réalise un certain nombre de dessins en langue allemande. Style expressionniste similaire à celui de Max Beckman - un style auquel il sera fait référence plus tard par les nazis comme dégénérés. En tant que compositeur, Hanf a produit une petite mais élégante Œuvre composée de mélodies et de musique de chambre. En raison de ses origines juives, Hanf dut se cacher, où il continua ses écrits sous un faux nom. Il est arrêté en avril 1944 et déporté à Auschwitz, où il est tué à Auschwitz. Septembre de la même année. La Fondation Bob Hanf a publié une biographie avec des reproductions de ses peintures et un CD avec une partie de sa musique de chambre, mais Ses compositions restent inédites.

L’éradication de la mémoire de Daniël Belinfante (1893-1945) semblait jusqu’à ce que le pianiste italien Francesco Lotoro contacte le pianiste néerlandais Marcel Worms, qui est associé à la Fondation Leo Smit. Dans les premières années du XXIe siècle, les recherches de Worms et du musicologue Wim de Vries a dévoilé les contours de la carrière musicale de Belinfante en tant que pianiste, compositeur et directeur d’une école de musique à Amsterdam, où les membres du Concertgebouw L’orchestre a enseigné à la fois la musique classique et le jazz. Belinfante épousa son élève Martha Dekker (1900-1989), qui a mis au point une méthode d’enseignement du chant et de la déclamation aux enfants et composa de nombreuses chansons. Belinfante était un compositeur qui a expérimenté la polytonalité et la polyrythmie - et qui a laissé une œuvre considérable. En 1940, il est contraint par les forces d’occupation de fermer son école de musique. Il était actif dans la Résistance, aidant les autres à se cacher, et était arrêtés pour ces activités ; Il est mort dans un incendie à l’hôpital de la Camp de Fürstengrube en janvier 1945. Martha a survécu à la guerre, a continué la musique l’école, mais n’a pas composé à nouveau. Dans les archives de sa femme, il n’y a aucune trace de aucune musique de Belinfante n’ayant été jouée après la guerre. En 1955, elle a fait don de ses manuscrits à l’Institut néerlandais de musique.

Franz (Ferenc) Weisz (1893-1944) est né à Budapest, où il a étudié le piano et la composition. Il est resté aux Pays-Bas après un concert vers 1920, il se maria et obtint la nationalité néerlandaise en 1932. Il a enseigné piano, composé pour cet instrument et joué dans de nombreux concerts. En 1943, L’origine juive de Weisz l’a amené à être emmené d’abord à Westerbork, puis à Theresienstadt et enfin à Auschwitz, où il meurt en 1944. Niek Verkruisen, élève de Weisz, possédait cinq compositions pour piano seul qui avaient été publié par Roszavolgyi & Co en 1929. L’une de ces pièces virtuoses, un Suite chopinesque, a été jouée au centième concert Uilenburger en janvier 2009. Depuis, d’autres compositions de Weisz ont fait surface.

Ignace Lilien (1897-1964) est né dans la ville polonaise de Lemberg (Lwów ; aujourd’hui Lviv en Ukraine). À l’âge de dix-sept ans, il fait le tour de l’Europe à vélo afin de visiter les musées. Alors qu’il était aux Pays-Bas, la Première Guerre mondiale a éclaté Lilien décida de rester en Hollande. Il a étudié l’ingénierie chimique à l’Université de l’Université de Delft, mais aussi le piano avec Theodor Pollak, l’harmonie avec H. Ehrlich et instrumentation avec Josef Suk. Bien que Lilien gagne sa vie en tant que chimiste Ingénieur, il était un compositeur et pianiste polyvalent. Au cours des années 1930, il a vécu à la ville de Reichenberg (Liberec), en Bohême, où il composa les « Temps modernes » Sonate' pour violon et piano. En 1939, Lilien retourne aux Pays-Bas. En tant que n’était pas autochtone, il n’était pas enregistré comme juif, il a donc survécu à la guerre allemande grâce à de faux documents. Entre 1939 et 1943, il compose un grand nombre de chansons sur des textes néerlandais. Dans son cycle de chants Maria Lecina' Lilien démontre son amour des rythmes espagnols et son chant passionné. La Ballade van Westerbork est une mise en musique sobre et réaliste de ses propres poèmes, qui dépeignent la déportation des enfants juifs de Westerbork vers les camps de concentration de Europe orientale. Après la guerre, Lilien part en Amérique du Sud en tant que pianiste concertiste. Sa musique est jouée régulièrement, et George Bernard Shaw en écrit le livret pour l’opéra de Lilien, Great Catherine (créé à Wiesbaden en 1932).

La plupart des compositeurs juifs mentionnés dans cet article ont écrit de la musique de concert. Simon Gokkes (1897-1943), cependant, a écrit de nombreux ouvrages destinés à être utilisés dans le synagogue. Il a étudié le piano avec Sem Dresden au Conservatoire d’Amsterdam, est devenu un chef d’orchestre bien connu et a travaillé pour l’Opéra des Pays-Bas. Quelques-uns de ses chansons ont été jouées à la Salle Pleyel à Paris. Gokkes et sa famille ont été déportés et leurs biens pillés, c’est pourquoi la plupart de ses compositions ont été perdus. Le peu qui a survécu est de grande qualité et d’une caractère moderne. En 1943, Simon Gokkes, sa femme Rebecca Winnik et leurs deux des enfants ont été tués à Auschwitz. Ce n’est que récemment qu’il s’est intéressé à sa musique de concert a repris vie. Son œuvre Kinah (1928), pour voix solistes, quintette à vent et piano, a été publié par l’Institut néerlandais de musique.

Henriëtte Bosmans (1895-1952), pianiste concertiste de renom, a étudié composition avec Cornelis Dopper. Afin de développer son style à partir d’un style romantique dans un idiome plus moderne, elle décide de prendre des leçons auprès du compositeur Willem Pijper. Elle a écrit un nombre impressionnant de pièces, dont des pièces symphoniques et travaux de chambre. Après 1942, elle n’a plus été autorisée à se produire en public parce que elle était à moitié juive ; Au lieu de cela, elle s’est produite lors de concerts illégaux en privé Maisons. Elle reprend sa carrière après la guerre, et les nombreuses chansons qu’elle composé pour sa muse, la chanteuse française Noémie Perugia, sont considérés parmi les la plus belle musique composée aux Pays-Bas. Malgré la grande qualité de son Bosmans n’a pas encore reçu l’attention internationale qu’elle mérite. En 2002, une biographie de Bosmans par la musicologue Helen Metzelaar a été publiée.

Johanna Bordewijk-Roepman (1892-1971) a commencé à composer relativement tard dans la vie. En 1936-1937, elle prend des leçons avec le compositeur et chef d’orchestre Eduard Flipse, et Ses premières œuvres orchestrales sont jouées en 1940. Parce qu’elle a refusé de devenir membre de la Kultuur Kamer comme l’exigeaient les nazis, ses œuvres ne pouvaient pas être exécutés ou publiés. En mars 1945, elle et sa famille échappent de justesse à la mort lors du bombardement de La Haye. Après la guerre, elle est devenue membre de la 'Ereraad voor de Muziek', une institution qui jugeait les musiciens qui avaient Collaboré. Elle estimait que cela jetait une ombre sur sa carrière, bien que son Les œuvres sont jouées régulièrement jusque dans les années 1950.

En tant qu’élève le plus doué de Sem Dresden, Leo Smit (1900-1943) était à l' d’une nouvelle génération de compositeurs néerlandais. Il venait d’une comédie musicale famille juive portugaise, et en 1924, il est devenu le premier étudiant de l’école Conservatoire d’Amsterdam pour recevoir un diplôme de composition cum laude. Comme beaucoup d’autres compositeurs hollandais, il a été attiré par la nouvelle musique française et a quitté Hollande pour Paris, où il demeura les neuf années suivantes. Là, il s’est plongé dans la vie musicale de la salle de concert et du café. Il n’avait pas besoin de chercher les feux de la rampe, car le soutien de ses parents l’a poussé à financièrement indépendant et lui a donné le temps de composer. Quelques-unes de ses compositions ont été publiés et joués, mais ses pensées étaient toujours dirigées vers Hollande, qu’il visitait souvent. Son ballet « Shemselnihar » et sa harpe Concertino, écrit pour la harpiste Rosa Spier, ont été créés au Concertgebouw en 1929 et 1934, respectivement. À Paris, Smit développa le sien d’abord très français, mais qui est devenu plus tard plus intellectuelle et austère. Dans la trentaine, il écrit de nombreuses pièces : Sextuor (1932), Symphonie en ut majeur (1936), Concerto pour piano (1937) et Alto Concerto (1940). Son nom était bien établi en Hollande, et sa musique était souvent entendu à la radio. Lorsque la guerre éclata, Leo Smit n’entra pas dans la raclée. Avec sa femme, il a été transporté à Sobibor via Westerbork, où ils ont été tués le 30 avril 1943. La Sonate pour flûte (1943) – la dernière composition qu’il a achevée - a à la fois un côté lyrique qui rappelle Ravel et un côté côté moteur, rythmique qui est plus stravinskien. L’émouvant deuxième mouvement a été écrit peu de temps avant la déportation de Smit et contient les dernières notes qu’il a calme. Smit a donné la plupart de ses compositions à son élève Frits Zuiderweg pour Garde; après la guerre, Zuiderweg les rendit à la sœur de Smit, Nora, mais Malgré ses efforts, elle n’a pas pu raviver l’intérêt pour sa musique. Ce n’est que dans le début des années 1990, lorsque le pianiste Frans van Ruth et la flûtiste Eleonore Pameijer découvert la beauté de la Sonate pour flûte de Smit, la qualité de son œuvre a été reconnu. Van Ruth et Pameijer ont fondé la Fondation Leo Smit, qui a donné lieu à l’enregistrement et à la publication de ses œuvres complètes et à plus d’un une centaine de concerts consacrés à des compositeurs refoulés.

Julius Hijman (1901-1967), pianiste, compositeur et musicologue, piano avec Dirk Schäfer et composition avec Sem Dresden et a joué un rôle important dans la promotion de la musique contemporaine aux Pays-Bas. Lors d’un séjour à Vienne, il se familiarise avec la musique de Schoenberg, Berg et Webern, et en 1937 il a publié un article sur le sujet dans le magazine néerlandais Caecilia. Il a été l’un des rares compositeurs juifs néerlandais à avoir réussi à quitter les Pays-Bas juste avant que la guerre n’éclate. En immigrant aux États-Unis, il a réussi à sauver sa vie famille, bien que cela l’ait obligé à renoncer à sa position dans la vie musicale néerlandaise. Il enseigné dans des académies de musique à Houston, Kansas City, Philadelphie et New York, où il était un fervent promoteur de la musique néerlandaise. Bien qu’il retournait régulièrement à son pays natal, sa musique, qui se composait principalement de musique de chambre et de chorale œuvres d’art, n’était guère reconnue en Hollande.

Hans Lachman (1906-1990) est né à Berlin sous le nom de Heinz Lachmann. En tant que Juif, il a fui son pays natal en 1933, peu après l’arrivée d’Hitler au pouvoir. Ayant membre des Sid Kay’s Fellows, le premier groupe de jazz de Berlin, il s’est joint plus tard à l’équipe l’orchestre du film Tuschinski de Max Tak à Amsterdam en tant qu’arrangeur et tromboniste. Il a écrit et arrangé la musique de nombreux films. Lui, sa femme et son jeune survécut à la guerre, caché dans une forêt par un prêtre catholique romain dans le sud des Pays-Bas ; Le prêtre a été trahi et exécuté. Après la guerre, Lachman s’est tourné vers la musique classique. L’une de ses premières compositions fut un Requiem pour prêtre, a joué et enregistré pour la radio néerlandaise. Lachman a formé son propre ensemble avec des musiciens de l’Orchestre du Concertgebouw, et sa musique était régulièrement et diffusé sur les ondes de la radio nationale. Il a laissé un répertoire étendu en tous les genres.

Bertus van Lier (1906-1962) a étudié le violoncelle avec Max Orobio da Castro, composition avec Willem Pijper et direction d’orchestre avec Hermann Scherchen. Il a enseigné dans plusieurs conservatoires et a écrit sur la musique pour divers journaux. C’était un chef d’orchestre bien connu qui s’est produit au Festival d’Aldeburgh de Benjamin Britten, entre autres. Il a écrit des œuvres orchestrales, de musique de chambre et vocales, ainsi que ses les compositions les plus connues sont Het Hooglied (Le Cantique des Cantiques, 1949) et A Tfile fun a Ghettojid (Prière d’un Juif du ghetto, 1951), sur un texte de Kwiattkowska . Pendant la guerre, il a travaillé pour une banque afin de ne pas avoir à s’enrôler le Kultuur Kamer. Parce qu’il était à moitié juif, il a finalement dû entrer dans se cachant et échappant de justesse à l’arrestation. Après la guerre, Van Lier, comme Johanna Bordewijk-Roepman, devint membre de l’Ereraad. Son appartenance à ce qui l’obligeait à condamner ses collègues collaborationnistes, a créé de telles réactions négatives qu’il a abandonné la majeure partie de sa carrière musicale et a déménagé vers le nord, où il est devenu maître de conférences à l’Université de Groningue.

Lex van Delden (né Alexander Zwaap, 1919-1988) a commencé à composer à à l’âge de onze ans et est resté autodidacte en tant que compositeur. En dépit de son talent artistique, promesses et intérêts, il s’inscrit à l’Université d’Amsterdam en 1938 pour étudier la médecine. En 1940, cependant, les Allemands envahirent les Pays-Bas et, en tant que Juif, il a été contraint d’interrompre ses études. Irrévocablement, comme il s’est avéré : Les espoirs de devenir neurochirurgien ont été anéantis pendant la Seconde Guerre mondiale, Il se cachait : l’explosion d’une lampe au carbure l’a laissé pratiquement aveugle de la main gauche oeil. Il a rejoint le mouvement de résistance des étudiants clandestins, et après la guerre Il a été félicité pour sa bravoure. En 1953, le nom qu’il avait pris depuis le Libération en 1945 (Lex van Delden – dérivé du nom qu’il utilisait dans le résistance) a été légalement approuvée. Au cours de la période d’après-guerre, Van Delden a fait ses débuts dans la vie culturelle néerlandaise. De 1947 à 1982, il est rédacteur en chef de la musique du quotidien , journal Het Parool - à l’origine une publication underground. Tout au long de l Dans les années 1950 et 1960, il a été l’un des compositeurs néerlandais les plus joués de sa génération. Il a créé un grand nombre d’œuvres écrites dans un style accessible, Style modérément moderne, fermement enraciné dans la tradition classique. La plupart de ses Des œuvres d’après-guerre ont été publiées et font toujours partie du répertoire.

Marius Flothuis (1914-2001), compositeur, musicologue et musicien né à Amsterdam, critique et écrivain, il a étudié le piano, la théorie musicale et la musicologie et a reçu son doctorat en 1969 avec une thèse sur les arrangements de Mozart Compositions. En 1937, Flothuis devient directeur artistique adjoint du Orchestre du Concertgebouw. En 1942, il a été forcé de quitter ce poste parce qu’il refusa de collaborer avec les forces d’occupation allemandes ; son refus de ses nombreuses amitiés avec des membres de l’Église juive communauté, entre autres raisons. Il a été capturé et emprisonné au camp de Vught à cause de ses activités dans la résistance, en aidant les Juifs. Pendant son incarcération, il composa à la fois l’Aubade et la Sonate da Camera pour flûte. Après l' guerre, il réintègre l’Orchestre du Concertgebouw dont il devient le directeur artistique. En tant que compositeur, il a d’abord été influencé par son ami et collègue Bertus van Lier mais plus tard a développé son propre style. Il considéra les paroles du chef d’orchestre Bernard Haitink, après une exécution d’une des compositions de Flothuis, le plus grand compliment qu’il ait jamais reçu : « Pas une seule note de toute cette pièce n’est superflue. Jusqu’à la fin de sa vie, Flothuis a joué un rôle important dans la vie musicale.

Nico Richter (1915-1945) est né dans une famille juive laïque Amsterdam. Il a reçu des leçons de violon dès son plus jeune âge, et son Le talent a émergé vers l’âge de treize ans. À quinze ans, il étudiait le violon avec Sepha Tromp, épouse du chef d’orchestre Eduard van Beinum. Richter a étudié médecine à Amsterdam en même temps que Lex van Delden. Van Delden a composé un pour l’orchestre étudiant MUSA dirigé par Richter, et les deux hommes sont devenus proches amis. Inspiré par un concert de Willem Pijper, Richter a commencé à composer à un jeune âge. Il étudie la composition avec Ernest Mulder à Amsterdam et la direction d’orchestre avec Hermann Scherchen à Bruxelles, où il a remporté un prix pour son Concertino pour violoncelle et cinq instruments.

Lorsque la guerre éclata, il épousa Hetta Scheffer, continua ses études de médecine a participé à des manifestations étudiantes contre la guerre et est resté actif en tant que chef d’orchestre de l’orchestre MUSA. Bien que les étudiants juifs n’aient plus le droit de postuler à l’Université, il a été autorisé à terminer ses études de médecine et a terminé ses le 18 novembre 1941. Richter participe à la résistance mais est trahi en avril 1942 et envoyé en prison, d’abord à Amsterdam, puis à Scheveningen, et du camp Amersfoort en novembre au camp Vught en janvier 1943. Le mois de novembre Le 15 mai 1943, il est transféré à Auschwitz. Il a ensuite été transféré à Dachau et a survécu pour retourner aux Pays-Bas en juillet 1945. Il était si affaibli, qu’il est décédé le 16 août 1945, après avoir réussi à terminer son Sérénade pour flûte, violon et alto sur son lit de mort. Sa production, modeste n’a été jouée que sporadiquement jusqu’à ce que le Leo Smit Ensemble CD de sa musique de chambre sur le label Tatline. Les Deux Pièces pour flûte et piano ont été écrites à l’origine pour violon et piano. La musique de Richter est proche de la Deuxième école viennoise. Ses compositions ne sont souvent que vaguement tonales, et ses un langage musical succinct qui rappelle Webern.

Dick Kattenburg (1919-1944) était encore étudiant lorsque la guerre éclata dehors. On sait peu de choses sur Kattenburg et ses activités musicales, car il y a peu de documents qui subsistent. Il a dû avoir une solide éducation musicale dès son plus jeune âge. car, à l’âge de dix-sept ans, il avait obtenu un diplôme de Théorie et Violon » au Collège Musical Belge de Bruxelles, où il eut pour professeur Hugo Godron. En 1941, il passe son examen d’État de musique à La Haye sous la direction de l’Université de La Haye. sous la direction de Willem Pijper. Au cours de sa courte vie, Dick Kattenburg a écrit sur Une trentaine de compositions : pièces solistes, musique de chambre et œuvres pour orchestre. Son les compositions montrent l’influence de la musique française, mais elles sont souvent quelque peu Romantique, aussi, avec des lignes et des harmonies mélodiques charmantes et parfois même un Sensation jazzy. À l’âge de dix-huit ans, il écrit une pièce pour piano à quatre mains et un claquettes. Pendant la guerre, il reçoit des leçons de composition de Leo Smit dans la clandestinité. Ce n’est qu’à ce moment-là que ses origines juives ont commencé à apparaître comme source d’inspiration dans sa musique. Il a commencé à écrire des chansons sur des textes hébreux, Palestiniens, Mexicains ou Roumains dans l’espoir que cela augmenter les chances des manuscrits de survivre à la guerre. Dick Kattenburg était arrêté et transporté à Auschwitz, où il a été tué à l’été 1944 à l’âge de 24 ans. Après qu’Eleonore Pameijer ait exécuté ce que l’on pensait être le sien la seule composition qui nous soit parvenue, la Sonate pour flûte, la nièce de Kattenburg, Joyce Bergman-van Hessen, a décidé de passer en revue les effets familiaux qu’elle avait Hérité; Elle trouva un nombre considérable de compositions et les donna à la chef d’orchestre Ed Spanjaard. La plupart de ces œuvres se sont avérées de grande qualité, souvent joyeux et léger, avec de nombreux passages polytonaux qui rappellent le musique du contemporain de Kattenburg, Darius Milhaud. Sa musique de chambre a été sorti en CD chez FutureClassics en décembre 2009, et trois de ses œuvres ont été récemment publié par MCN (Music Center of the Netherlands).

En conclusion : Des recherches approfondies ont montré que la Seconde Guerre mondiale a effacé une partie importante de la vie musicale néerlandaise. Soixante-dix ans plus tard, notre perception de l’histoire musicale de notre pays a changé, en partie grâce à cette recherche. Les lacunes de notre mémoire collective sont en train d’être comblées, même si nous ne pouvons que deviner que se serait-il passé si des talents comme Leo Smit, Nico Richter, Simon Gokkes et Dick Kattenburg avaient eu la chance de poursuivre leur carrière après la guerre. Leur musique aurait-elle changé s’ils avaient eu la chance de l’entendre plus souvent souvent? Comment auraient-ils influencé la génération suivante ? Qu’est-ce que le La scène musicale néerlandaise s’est déroulée comme si ces compositeurs avaient survécu ? Ces questions ne sera jamais répondue. On ne peut pas faire revenir les compositeurs, mais on peut nous consacrons à leur musique. Les plans d’avenir comprennent la recherche sur les vies et des œuvres de Fania Chapiro, Israël Olman, Robert de Roos, Andrée Bonhomme, Sedje Hémon, Paul Hermann et Leo Kok ainsi que d’autres, peut-être, qui ne le savaient pas encore nous. La Fondation Leo Smit reste dédiée à cette tâche.

Musique exterminée aux Pays-Bas
À la recherche de trésors cachés

Eleonore Pameijer et Carine Alders
suppriment la musique aux Pays-Bas :
à la découverte de trésors cachés

Traduction par Jean Granoux
 

Contemporains de Leo Smit

Compositeurs juifs « oubliés »

Sem Dresden (1881-1957)

Rosy Wertheim (1888-1949)

Martin Spanjaard (1892-1942)

Daniel Belinfante (1893-1945)

Bob Hanf (1894-1944)

Henriëtte Bosmans (1895-1952)

Oui Gokkes (1897-1943)

Lys d’Ignace (1897-1964)

Leo Smit (1900-1943)

Nico Richter (1915-1945)

Lex van Delden (1919-1988)

Dick Kattenburg (1919-1944)

Sem Dresden (1881-1957)

L’Amstellodamois Sem Dresden a été Un homme d’une volonté infatigable. C’était un chef d’orchestre, il a écrit un long série de compositions pour diverses instrumentations, allant du piano solo au grand l’orchestre, également tenu en tant que professeur et directeur de nombreux postes importants dans la vie musicale néerlandaise. Ainsi À partir de 1924, il est à la tête de l’Amsterdamsch Conservatorium, en En 1937, il devient directeur du Royal Conservatoire de La Haye. Après il avait été forcé par les Allemands à de déposer son œuvre, en 1941 période. Dresde a dû se cacher. De manière caractéristique, en tant que compositeur, il a travaillé régulièrement et pendant la guerre Plus d’une dizaine de numéros d’opus.

Sem Dresden était le fils d’un diamantaire et couché à un âge précoce un grand talent pour la musique à la Jour. Il a reçu sa formation de compositeur d’abord dans sa ville natale à Bernard Zweers ; Dans l’intervalle, il a suivi les sujets piano et violon. À Berlin, il a reçu l’enseignement de Hans Pfitzner. En 1907, il épousa Sem Dresden avec Jacoba Dhont. Ils était une chanteuse professionnelle, et grâce à elle Le compositeur est venu amicalement contact avec de nombreux chanteurs d’Amsterdam. C’est à partir de ce cercle que Dresde fonda en 1914, la Madrigal Society qui a ensuite continué sous le nom de Haarlemsche Société du motet et du madrigal. L’entreprise s’est concentrée sur la polyphonie œuvres de la Renaissance, pour l’époque répertoire inhabituel. Il a également déclaré que joue régulièrement de la musique contemporaine sur le lutrin. Peu de temps après l’émergence de l' Madrigal Society, la première Compositions pour chœur sur la liste des œuvres de Dresde : le Vieux Pays-Bas Songs (1916), par exemple, et The Watchman’s Song (1918). Quelques années plus tard, le Chorus tragicus (1928), sur des textes de Joost van den Vondel, dans lequel les chanteurs sont accompagnés d’un ensemble de percussions, bugles et trompettes. Ce travail trouve une suite dans le Chorus symphonicus (1944), une « symphonie chorale » en quatre mouvements pour voix et orchestre. Aussi Dresdes opéra François Villon (1957), sur le poète français du XVe siècle, voleur et vagabond, n’a pas seulement besoin de solistes, l’orchestre et les danseurs, mais demande aussi pour une composition complète de la chorale.

Sem Dresden était l’apprenti de l’Allemand Hans Pfitzner, son Le style penche vers le sud plutôt que vers le à l’est. Avec des collègues comme Willem Pijper et Bernard van den Sigtenhorst Meyer, il partageait une préférence pour le musique contemporaine française ; Romantique allemand Le passé est beaucoup plus loin. Dans ses compositions, cependant, nous n’entendons pas seulement des tons français clairs. Surtout le Deuxième Concerto pour violon, un concert donné en 1948 par récompensé par la Fondation Johan Wagenaar chef-d’œuvre, est parfois sombre. Dans Le deuxième mouvement, qui ressemble à une marche funèbre, semble être comme si les années troublées de la guerre avaient ont laissé des traces. De plus, les deux Les pièces d’angle sont violemment déplacées. Après l' La Seconde Guerre mondiale devient Dresde musique plus dramatique. Il s’agit, par exemple, de à entendre dans le Dansflitsen (1953) pour orchestre, un travail spectaculaire qui a donné lieu à un certain nombre de danses, de la polka à la valse en passant par Sicile et Tarentelle. À l’heure actuelle que cette partition a été créée Dresde maintenant en néerlandais vie musicale entièrement réhabilitée. Après la libération, il prend ses fonctions en tant que directeur du conservatoire, et Une fois à la retraite, en 1949, il a continué à très actif, par exemple en tant que directeur de la Fondation Jeunesse et Musique. C’était aussi Président du Département de Musique de le Conseil des Arts.

Il est à noter que Dresde, dans ce domaine, Une vie apparemment surpeuplée aussi le temps pour mettre ses pensées sur papier. Avant la guerre, il avait quelques années journaliste à De Telegraaf ; Aussi pour d’autres journaux et magazines qu’il a écrits Articles divers. En 1923, il publie un livre intitulé Het muziekleven in Pays-Bas depuis 1880. A eu beaucoup de succès en outre, les informations compilées par Dresde General Music Theory (1931), publié dans L’année 1963 a connu sa onzième édition.

Jochem van der Heide

Sem Dresden est né en 1881 à Amsterdam. En tant que compositeur, il a étudié avec Bernard Zweers et Hans Pfitzner (à Berlin). Ses premières œuvres importantes sont la première Sonate pour violoncelle (1916) et la Sonate pour fute et harpe (1918). Ceux-ci d’esprit indubitablement français, ont été publiés par la maison d’édition française maison Senart avec son premier Quatuor à cordes. Bien qu’il soit généralement considérait que Dresde passait de l’influence française à l’influence allemande, Pour lui, la transition s’est faite naturellement. Dans une interview en 1930, il envisage encore son professeur Pfitzner « le Debussy allemand ».

En 1919, il commence à enseigner au Conservatoire d’Amsterdam, devenant directeur de 1924 à 1937. Sous sa direction, le Conservatoire s’agrandit, Il a même ouvert son propre concert en 1937. En 1938, il devient directeur de la Conservatoire royal de La Haye. Son Deuxième Quatuor à cordes, écrit pour le Quatuor à cordes de La Haye, est composé dans un langage clair et constructiviste, caractérisent une grande partie de ses œuvres ultérieures.

Il a été démis de ses fonctions de directeur du Conservatoire royal en 1940 parce qu’il était Juif. Mais en raison d’un mariage mixte, il n’a pas été expulsé immédiatement. Ceci C’est peut-être ce qui lui a permis de survivre à l’occupation.

Il meurt en 1957.

Sélection d’œuvres

Chansons hollandaises anciennes 1916 chœur
Wachterlied 1918
chœur Sonate 1918 flûte et harpe Chœur tragicus 1928
choeur, trompettes, bugles et percussions

Chœur symphonique 1944
solistes, chœur et orchestre Dansflitsen 1953 orchestre

François Villon 1957
solistes, chœur, orchestre et ballet

Rosy Wertheim (1888-1949)

La musique et l’engagement social ont joué un rôle un rôle majeur dans la vie de Rosy Wertheim. Elle est née à Amsterdam en 1888 en tant que descendant d’une famille aisée ; Son grand-père était un banquier bien connu A.C. (Abraham) Wertheim, d’après qui Le parc Wertheim d’Amsterdam porte son nom. Dès le début, Rosy a montré une talent pour la musique. Après l’école secondaire l’école, elle a été envoyée à l’école par ses parents envoyé dans un pensionnat de Neuilly – pas à l’Académie sociale, comme elle l’a fait elle-même que j’aurais aimé. À Neuilly, elle prend des leçons de piano, Et elle a décidé de continuer dans la musique. Elle a étudié le piano avec Ulfert Schults et composition de Bernard Zweers. Aussi elle a reçu l’enseignement de Sem Dresden.

Jusque dans les années 1920, Rosy se concentre sur Wertheim se concentre sur l’écriture de chansons et choral dans un style romantique idiome. De 1921 à 1929, elle travaille en tant que professeur de musique à l’Amsterdam Lyceum et a dirigé un certain nombre de et les chœurs d’enfants, y compris le chœur des « enfants de l’île », des enfants de la quartier juif pauvre d’Amsterdam.

En 1929, elle partit pour six mois Paris, où elle passera finalement six ans rester. Elle suit des cours de composition et d’instrumentation chez Louis Aubert. Cheveux l’appartement est devenu un point de rencontre pour Artistes; Parmi eux, il y avait les compositeurs Honneger, Ibert, Milhaud et Messiaen. Avec la compositrice Elsa Barraine Elle s’est liée d’une amitié étroite. Dans l' le journal Het Volk, sur lequel elle a écrit des articles La vie musicale parisienne. Ses œuvres de Cette période est caractérisée par une légèreté et un espièglerie néoclassiques. D’un point de vue harmonique, ils s’inscrivent dans la l’idiome français impressionniste. Dans 1935 Rosy Wertheim part pour un années à Vienne, où elle a étudié le contrepoint avec le Prof. Karl Weigl. En 1936 aux États-Unis, où ils nombre de conférences. Son Quatuor à cordes, le Divertimento pour orchestre de chambre et Un certain nombre de ses œuvres pour piano ont été joué lors d’un concert de la « Laboratoire du Forum des Compositeurs ».

En réponse à la situation tendue, en Europe, elle retourna en 1937 à Amsterdam. Au cours de cette période, mais Même après le déclenchement de la guerre, Elle composait beaucoup. Sa musique de l’époque La trentaine se caractérise par une lumière, Touche impressionniste et vivante. Dans Rosy Wertheim 1888 - 1949 1940 son Concerto pour piano est exécuté menée par la Residentie Orkest par Willem van Otterloo.

Après l’invasion des Allemands, Concerts de la maison Wertheim, au sous-sol. Pendant Au cours de ces réunions, une attention particulière a été accordée aux consacré à la musique moderne, en particulier à la l’œuvre de compositeurs juifs, qui n’étaient plus autorisés à jouer. Dans Dans la seconde moitié de 1942, elle entra dans la clandestinité. à différentes adresses, y compris en Het Gooi et à Amstelveen. Bien qu’ils elle-même et ses familles se cachaient avec Des voyages irréfléchis à quelques reprises en grand danger, Wertheim a survécu la guerre ; une grande partie de son Cependant, des membres de la famille ont été tués. Après la guerre Elle est devenue professeur à l’école de musique de Laren, mais sa santé se détériorait en arrière. Pendant des années, elle a été alitée Enchaîné. Avec un admirable vitalité qu’elle a essayé d’informer de rester à l’écart de tous les événements culturels, surtout dans le domaine de la musique. Lorsqu’ils en 1949, à l’âge de soixante et un ans décédé, Max Vreedenburg a déclaré dans le NIW qu’aux Pays-Bas, il y a beaucoup de était trop indolente à l’égard de son travail. Son œuvre de plus de quatre-vingt-dix œuvres contient de nombreuses mélodies et de la musique de chambre ; il La plupart d’entre elles ne sont pas datées. Rosy Wertheim a écrit des textes particulièrement lyriques musique. Elle était douée d’un très riche et un sens de l’harmonie aux multiples facettes. D’abord centré sur le romantisme tardif, elle a flirté quelque temps avec l’octotonique, Très populaire dans les années vingt avec des compositeurs néerlandais, et aussi peut être entendu dans les compositions de, par exemple, Sem Dresden et Leo Smit. Sur son œuvres ultérieures était la période en France clairement influente ; Elle était plus sur l’impressionnisme français. Ses compositions ne sont jamais simples ou sans ambiguïté. Rosy Wertheim dit musique stratifiée, recherche de profondeur, dans un qui n’est pas sans rappeler Brahms penser. Pas de gestes, mais de grands gestes. Même dans ses chansons les plus simples, Wertheim a une stratification complexe.

Eleonore Pameijer

Rosy Wertheim (1888-1949) est née dans une famille de banquiers bien connue à Amsterdam. Après le lycée, ses parents l’ont envoyée à l’internat de Maléfiquement. Inspirée par les excellentes leçons de piano qu’elle y a reçues, elle a décidé de Devenez pianiste. Après son retour en Hollande, elle prit l’harmonie et cours de contrepoint avec Bernard Zweers et Sem Dresden. Dans les années vingt, Animée par l’engagement social, elle a dirigé des chorales d’enfants composées de « pires petits clochards » d’Amsterdam.

Au fur et à mesure que la musique de Debussy, Ravel et Stravinsky prenait de l’importance pour elle, Le sentiment grandissait qu’elle devait traverser la frontière. En 1929, elle décide d’y aller à Paris pour étudier six mois. Une fois sur place, elle entre en contact avec Louis Aubert et Elsa Barraine et les six mois se sont transformés en six ans. En 1935, Rosy Wertheim partit pour Vienne, en 1936 pour New York et en 1937 elle retourna à Vienne. Amsterdam.

Pendant la guerre, elle entre dans la clandestinité et sa carrière de compositeur prend fin. Peu de temps après la libération, elle tombe malade et meurt à Laren en 1949.

Ses premières œuvres sont écrites dans un langage romantique à la César Franck, mais dans les années trente, elle a développé un langage sobre et moderne dont les Trois Les pièces de 1939 en sont les meilleurs exemples.

Sélection d’œuvres

Trois Morceaux flûte et piano (1939) Trois Chansons (1939) soprano, flûte et harpe/piano Sonate ca. 1921 violoncelle
Concerto pour pianoforte et orchestre (non daté)
Orchestre de chambre Divertimento
Six Morceaux piano


Quatuor à cordes

Martin Spanjaard (1892-1942)
30 juillet 1892
Auschwitz, 30 septembre 1942
 

Il n’y a pas beaucoup de musiciens néerlandais qui peuvent le faire fier d’y aller : Stravinsky direction à Vienne, avec le grand Russe lui-même à l’aile. Chef d’orchestre et compositeur Martin Spanjaard l’a fait en 1930, lors de l’une des premières représentations du Capriccio de Stravinsky pour piano et orchestre. Sur les affiches étaient les noms des interprètes annoncés comme Igor Strajaard et Martin Spanwinsky, caractérisé par l’Espagnol lui-même en tant que « Namenengführung in double contrepoint ». L’Espagnol était dans premier chef d’orchestre. Son nombre limité de nombre de compositions remonte principalement à de ses jeunes années ; Plus tard, il s’est rendu compte son emploi du temps chargé de chef d’orchestre Plus de temps pour composer. Le fait qu’il n’y ait pas de Espagnol : une biographie assez complète n’est pas le moindre à mettre ensemble, n’est pas le moindre grâce à son petit-fils Maarten van der Heijden. Il en est résulté une Aussi beaucoup d’informations pour cet article. Martin Spanjaard est né en 1892 à Borne, où son père était un riche fabricant de textiles. En 1899 la famille à La Haye. À partir de ce moment-là La famille lui rendait régulièrement visite à la station balnéaire à la mode de Scheveningen. Le nouveau courrier de Scheveningen reconstruit en 1922, à l’occasion de la d’une performance de l’homme alors âgé de trente ans Espagnol, la jeunesse du chef d’orchestre « Après 1905, l’année où son ancien couple leur domicile de Twenthe à la Cité Royale et aussi à de nombreux ans à la station balnéaire dans un des villas bien connues, appartenant à la Hôtel d’Orange, on voit le petit garçon espagnol souvent sous la Spes Patria à la sur la plage et dans le Kurzaal. Si vous êtes à venir C’est un jeune homme avec ses parents et plus tard Jeune homme, il se rendait régulièrement à Les concerts sont restés, assis pleins d’attention dans l’un des premiers rangs des fauteuils pliants devant la scène, que ce soir, en tant que Magister Musicarum, il entre.

Martin Spanjaard a étudié le violon, le solfège, piano (avec Willem Andriessen) et composition (avec Cornelis Dopper). En 1915, il s’installe à Berlin, où il poursuit ses études de composition. Voici écrit he Drei Lieder nach Gedichten von Li-Tai-Po et un Scherzo pour orchestre. De retour aux Pays-Bas Il est nommé en 1920 en tant que chef d’orchestre de l’Orchestre d’Arnhem Vereeniging ; Il a également dirigé le Martin Spanjaard 1892 - 1942 Orchestre du Concertgebouw (1924). En 1932 il quitta Arnhem involontairement, principalement parce que, selon le conseil d’administration de l’orchestre, il Pas assez de musique populaire programmerait. Dans l’intervalle, il a été a divorcé de sa première femme et s’est remarié avec Elly Okladek, une Hongroise harpiste de l’orchestre. Son divorce et son Sa relation avec un membre de l’orchestre ont contribué à la licenciement. L’Espagnol était alors régulièrement Invité dans des orchestres de renom y compris le Wiener et l’Orchestre philharmonique de Berlin. Ces performances livré à l’étranger Beaucoup de critiques élogieuses à ce sujet. À cet égard, il le prend parmi ses collègues néerlandais un endroit spécial.

L’Espagnol était érudit et se maintenait intensément s’adonne à la littérature et à la philosophie. La culture allemande était particulièrement intéressante lui. En outre, cependant, il a propagé interprètes de compositeurs français. Dans la bataille des directions entre les Français et les l’école allemande, qui a été créée pendant l’entre-deux-guerres Parfois violemment furieux, il se retrouva donc dans le camp des modernistes. L’Espagnol avait une affection particulière pour Bruckner et a écrit un livre sur ses symphonies, écrites par son petit-neveu, chef d’orchestre Ed Spanjaard, encore régulièrement Consulté.

L’œuvre de l’Espagnol est, comme nous l’avons mentionné, modeste de taille. Dans les domaines sensibles et Drei Lieder (1916) équilibré sur textes de Li-Tai-Po donne au compositeur semble être très à l’aise dans le domaine de l’allemand tradition de la chanson romantique, bien qu’elle soit déjà fin de la dernière chanson, une série de Accords de Debussyan. De œuvres symphoniques, dont une n’est probablement pas dû à un manque de temps. achevé, le vif Scherzo fut l’orchestre mentionné plus haut. En 1939, Spanjaard dirigea à nouveau l’Orchestre du Concertgebouw, dans un programme avec des œuvres de Bosmans, Bruckner et Mozart. Ce serait la dernière fois : en 1942 Martin Spanjaard et sa femme à Auschwitz pour à la vie.

Marcel Worms

Martin Spanjaard (1892-1942) était un chef d’orchestre bien connu à son époque. Les photographies montrent un très bel homme bien habillé et plein de confiance. Dans En 1930, il dirige le Capriccio pour piano et orchestre de Stravinsky à Vienne avec Stravinsky lui-même comme soliste.

Enfant, il reçoit ses premières leçons de musique du professeur de violon J. Saumon. Plus tard, Spanjaard a étudié le violon avec André Spoor et l’harmonie avec André Spoor Frits Erhard Adriaan Koeberg, piano avec Willem Andriessen et composition avec Cornelis Dopper. De 1915 à 1916, il étudie à l’Université de Berlin Meisterschule für Musikalische Composition avec Friedrich Gernsheim et Willy Hess. C’est là qu’il composa « Drei Lieder nach Gedichten von Li-Tai-Po » et un 'Scherzo pour orchestre'. Il jouait de l’alto dans l’orchestre de l’Opéra de Berlin Hochschule für Musik et il a travaillé avec le chœur de l’Opéra d’État de Berlin.

Dans les années vingt, Martin Spanjaard était le directeur de l’Orchestre Société d’Arnhem et était régulièrement chef invité avec des orchestres dans toute l’Allemagne, l’Autriche, la France et la Hongrie. En juillet 1924, il dirigea l’Orchestre du Concertgebouw avec un programme d’œuvres de Mozart, Beethoven, Dopper et Berlioz. En 1932, il quitta la Société d’Orchestre d’Arnhem, accusés de ne pas programmer assez de musique populaire. La même année, il épousa la la harpiste de l’orchestre, Elly Okladek. De ce mariage naquit une fille, Claartje et un fils, Martin.

La dernière fois que Martin Spanjaard s’est produit en tant que chef d’orchestre, c’était le 2 juillet 1939 avec l’Orchestre du Concertgebouw. Sous sa direction, l’orchestre a joué La Symphonie KV 338 de Mozart pour la première fois ainsi que des œuvres d’Henriette Bosmans et Anton Bruckner. En août 1942, Martin Spanjaard et sa femme Elly Okladek ont été pris par les nazis. Ils ont été assassinés deux mois plus tard en Auschwitz.

Spanjaard avait une grande connaissance de la littérature et de la philosophie allemandes. Son livre sur les symphonies d’Anton Bruckner (1934) est toujours utilisé par son neveu Ed Spanjaard, aujourd’hui un chef d’orchestre bien connu. Un carton contenant une partie de sa musique a été trouvé en 1997 par son petit-fils Maarten van der Heijden, une contrebasse musicien de l’Orchestre du XVIIIe siècle de Frans Brüggen.

Sélection d’œuvres

Trois chants d’après des poèmes de Li-tai-Po (1917) voix et piano
Claartjes Wiegenliedje (1923)
Scherzo 1916 orchestre

Daniel Belinfante (1893-1945)

La suggestion d’enquêter sur le Le compositeur néerlandais Daniël Belinfante est venu en 2004 d’un pianiste italien. Il n’y a pas d’illustration plus claire combien ce compositeur d’Amsterdam avait disparu de la scène musicale. Au départ, la personne que Belinfante semble être presque un Osewoud, le résistant de la chambre noire d’Hermans Damoclès, à l’existence réelle de laquelle Le lecteur commence à douter de plus en plus. Content sont les grandes lignes de la vie de Belinfante est devenu visible, en particulier sur la base d’une recherche menée à Amsterdam Archives municipales.

Belinfante est né en 1893 dans un très juif d’Amsterdam et très musical Famille. Mon père était tailleur de diamants et a donné au jeune Daniel ses premières leçons de violon, qui ont ensuite été repris par son oncle Sidney, qui probablement était violoniste professionnel. Il a également étudié Il y a beaucoup de choses à faire, sans doute avec Ary. Belinfante. Quand Daniel est allé en 1928 Blaricum, il avait déménagé entre-temps mariée à la professeure de chant et compositrice Martha Dekker (1900-1989), avec qui il a mené l’œuvre qu’il avait Fondée en 1915 dans le Amsterdam Watergraafsmeer. Sous Les professeurs de cette école de musique étaient pas mal de membres de l’Orchestre du Concertgebouw ; Belinfante lui-même et e.a. Karel Mengelberg donne des leçons de piano. À partir de 1934 pour les amateurs et les apprentis professionnels a également offert une « Jazz Class », la première du genre. Remarquablement De plus, ces leçons données par les membres de l’Orchestre du Concertgebouw. Pendant la guerre, Belinfante se cacha, ce qui ne l’a pas empêché de de sa cachette à Amsterdam travail de résistance. Il louait même une maison, sous un faux nom, dans lequel il a recueilli des gens qui se cachaient. Quand Un jour, il reçut des messages du La radio anglaise voulait venir et transmettre Il a été arrêté. Via Westerbork Belinfante s’est retrouvé à Auschwitz et de là à Fürstengrube. Malgré sa forte constitution, il en vint finalement à en raison d’une maladie de la jambe à l’infirmerie, qui, à l’approche des Russes en janvier 1945 par le La Wehrmacht est incendiée. Ainsi Belinfante est arrivé juste avant la libération à la vie.

Le 12 juillet 1945, au domicile de Martha Belinfante une salle de concert, organisé par l’École de musique. Martha avait survécu à la guerre et Administrateur de son défunt mari Hérité. Au programme En plus du travail de Martha, ils travaillaient de Haendel, Debussy et Ravel, entre autres, mais étonnamment pas de Daniel Belinfante. Pour autant que nous puissions en juger c’est la musique de Belinfante après la guerre n’est plus joué. Mais comment cela s’est-il passé ? avec des versions antérieures ? Dans l' vaste collection de partitions de la L’Institut néerlandais de musique est instructions pour jouer, mais Instructions sur les concerts manque. Cependant, la musique de Belinfante a été jouait régulièrement à son école de musique et il donna à ses meilleurs disciples son la musique pour piano comme matériel d’étude. Belinfante manque probablement réponse. Les concerts peuvent être le Après tout, toutes les corrections sont utiles et le stimuler pour se lancer dans le prochain opus.

Les documents personnels peuvent alors être ont été en grande partie perdus, heureusement nous possédons encore l’essentiel Succession du compositeur : sa musique. Dans ce document, l’influence de la musique contemporaine française immédiatement audible. Par exemple, l’utilisation fréquente de bitonalité, c’est-à-dire l’utilisation simultanée de de deux clés différentes, telles que a été particulièrement largement utilisé par les Milhaud. Aussi une certaine indiscipline dans le son, un rythme principalement ostinato et une oreille délicate pour des harmoniques spéciales couleurs faire à Belinfantes La pensée contemporaine française.

La musique de chambre de Van Belinfante jouée dans le a été jouée au cours des dernières années (la musique orchestrale est toujours en attente de dilatation) le Concertino pour piano impressionne à travers une manière claire et joyeuse d’écrire. Le Quatuor pour deux violons, violoncelle et piano est de couleur plus foncée et frappe par son puissance dramatique. L’étendue de la pour piano seul, en particulier le La troisième Sonatine est dite réussie. Les deux quatuors à cordes, de 1931 et 1941, toujours en attente d’une représentation, ainsi que les sonates pour violon respectivement violoncelle et piano. C’est à l’heure actuelle qu’il faut génération de musiciens pour faire en sorte que la musique processus de sélection.

Marcel Worms

Sélection d’œuvres

Sonatine n° 3 (non datée) piano Trio 1941 flûte, hautbois et basson
Quatuor 1927 deux violons, violoncelle et piano Concertino (1936
) piano

, flûte, hautbois, violon, alto, violoncelle et contrebasse

Bob Hanf (1894 - 1944)

Bob Hanf est né le 25 novembre 1894 à Amsterdam, où ses parents Joseph Hanf et Laura Romberg après leur mariage. La famille Hanf, les Juifs allemands assimilés, était originaire de Westphalie. Hanf a grandi dans un environnement artistique. Jusqu’à l’âge de trente ans, il tous les jours fériés par en Allemagne à son oncle Moritz et sa femme Rebecca. Ce couple avait de nombreux contacts dans les cercles d’intellectuels et d’artistes. Grâce à ses visites régulières à cette famille d’artistes est venue à Hanf à un âge précoce en contact avec le Des mouvements à la pointe de la technologie sur le terrain d’art, de littérature et de philosophie. Bobs Maman jouait bien du piano. Son premier Il a pris des cours de violon dans la classe d’ensemble par George Scager, altiste de l’Orchestre du Concertgebouw.

Bob Hanf était un artiste polyvalent : Il dessinait, peignait, écrivait et Il était également violoniste et compositeur. Parce que son père voulait que Bob l’emmène de l’entreprise chimique 'N.V. Oranje', cependant, il a été envoyé à l’Hôpital Université des sciences appliquées de Delft. C’est là qu’il étudia d’abord la chimie, puis génie civil. Au cours de ses études, il a Il caricature des professeurs et des camarades de classe et a fait un grand nombre de Dessins au fusain dans un expressionniste style, semblable à celui de Beckmann et Kirchner. C’était aussi Delft faisait de la musique furieusement ; Hanf a joué régulièrement avec les compositeurs Harold C. King et Ignace Lilien. En 1919 il a été co-fondateur de 'De Coornschuer', un entrepôt à Delft, où des concerts, Conférences et expositions ont eu lieu.

C’est au cours de cette période que Hanf est entré en contact avec les écrivains Hendrik Marsman, Jan Spierdijk et Simon Vestdijk. Dans son livre Autoportrait de J.F. décrit Marsman Hanf comme suit : « légèrement incurvé, un peu Fatigué, le col de son manteau relevé, son étui à violon soigneusement sous le bras, Il est tombé sur le long et bas plafond chambre à l’intérieur sur la Voorstraat, où Nous l’attendions déjà à un moment incandescent. poêle. Dans le livre de Vestdijk, La Dernière Chance (1960) Hanf apparaît sous le nom de Bob Neumann. Hanf lui-même en a écrit deux pièces de théâtre, trois romans et un certain nombre de poèmes, influencés par la La morale anti-bourgeoise de Wedekind et l’atmosphère surréaliste et la morosité La vision du monde de Kafka.

En 1921, Hanf arrête définitivement ses études et a déménagé dans une pièce mansardée la maison parentale sur le Willemsparkweg à Amsterdam. Pendant ce temps, il a commencé à jouer sérieusement du violon et composer ses premières œuvres. Il a pris des cours avec Louis Zimmerman, le premier violon solo de l’Orchestre du Concertgebouw. Bien qu’il ait joué quelques fois dans orchestres professionnels, y compris dans le Arnhemsche Orkest Vereeniging sous Martin Spanjaard, il a décidé de Vers 1928, pas de carrière professionnelle de violoniste d’aller plus loin. Composer était plus en accord avec sa nature contemplative. Il a écrit plusieurs ouvrages pour violon, quelques quatuors à cordes, chansons sur des textes de Rilke, Kafka et Goethe, quelques œuvres orchestrales et un opéra.

Être Les compositions sont caractérisées par un style motivique, qui devient progressivement plus chromatique mais à l’intérieur de la tonalité et est plus étroitement apparenté à l’allemand tradition autrichienne qu’aux Français. Dans ses cycles de mélodies, Hanf met l’accent sur sens du théâtre, l’absurdité de le texte. Il sait toujours avec assez simple signifie une atmosphère musicale qui lui est propre à poser.

En 1936, Bob Hanf quitta l’école maison à une chambre sur le Lijnbaansgracht d’impliquer. En 1941, il reçut le prix de musique de la ville d’Amsterdam, avec le compositeur Robert de Roos. En tant que personne cachée dans le Suikerhofje, le Prinsengracht qu’il écrivit sous le pseudonyme Christiaan Philippus pour l’illégal Duinrosia Herald le poème « Réflexions sur le côté nocturne de la vie », la seule œuvre de sa main qui ait été La guerre serait publiée. Sur Le 23 avril 1944, il est tué lors d’un raid de l’armée de l’air. SD arrêté. Par Westerbork, il a été déporté à Auschwitz, où il a été assassiné le 30 septembre 1944.

Eleonore Pameijer

Bob Hanf (1894-1944) était un artiste aux multiples talents dont la production contient des dessins et des peintures ainsi que des poèmes, des pièces de théâtre, des chansons et de la musique de chambre. Son Son père a passé sa jeunesse en Allemagne mais s’est installé comme banquier à Amsterdam. Encore la famille Hanf chérissait la tradition juive allemande et, avec son Hanf a passé de nombreuses vacances en Allemagne chez son oncle à Witten. Son Sa mère, Laura Romberg, était une excellente pianiste, qui lui a donné ses premières leçons de musique. Enfant, il a également joué du violon dans une classe d’ensemble dirigée par George Scager, altiste de l’orchestre du Concertgebouw.

Hanf a donné des conférences très intéressantes sur l’art moderne en 1919 et il a organisé plusieurs expositions célébrant des peintres comme Kandinsky. Vers 1920, il a produit de nombreux dessins dans un style expressionniste allemand similaire à celui de Beckamn, un style condamné plus tard par les nazis.

Il a étudié la chimie à Delft où il a été stimulé à poursuivre ses études études musicales avec ses amis Ignace Lilien, Frits Spanjaard et Harold C. Roi. L’écrivain néerlandais Simon Vestdijk a été très impressionné par l’œuvre de Hanf personnalité. Hanf a inspiré Vestdijk à lire la littérature allemande et a introduit à la poésie de Rainer Maria Rilke.

Hanf avait 27 ans lorsqu’il a décidé d’abandonner la chimie et de devenir violoniste. Il Il devient l’élève de Louis Zimmerman et suit des cours de composition avec Cornelis Dopper. En tant que compositeur, Hanf a laissé une œuvre petite mais très élégante de chants et de musique de chambre.

En 1944, Bob Hanf est assassiné à Auschwitz. Son frère Frits survécut à la l’occupation allemande et organisa plusieurs expositions d’œuvres de son frère après la guerre.

Sélection d’œuvres

Tema con variazioni violon solo
Sonates pour violon n° 1, 2 et 3 violon et piano Petite Suite violon et piano

Quatuor à cordes 1940
Quatuors à cordes en ut majeur et ré majeur
Nuit Phantastique ténor et quatuor
à cordes Sextuor à cordes en mi mineur Concerto en ré mineur
violon et orchestre Sérénade orchestre de chambre

Symphonie « Ituriel » orchestre symphonique
Leonce und Lena opéra
Der neue Advokat
cycle de mélodies pour voix d’homme et piano

La majorité des manuscrits de Bob Hanf sont Non daté.

Henriëtte Bosmans (1895-1952)

Henriëtte Bosmans était originaire d’Amsterdam de cœur et d’âme, mais qui, par exemple, sa Sonate (1919) pour violoncelle et piano Il sait dès les premières notes : ici hante l’esprit du romantisme allemand. Le compositeur a grandi dans cette tradition. Elle a passé son enfance dans un bâtiment majestueux sur les Weteringschans, où tout tourne autour de la musique. Joseph Joachim, Brahms' violoniste préféré, est venu nous rendre visite. De nombreux autres musiciens célèbres pour le dîner ou fait de la musique avec son père, violoncelle solo de l’Orchestre du Concertgebouw. Il mourut quand Henriette avait huit mois. Sa comédie musicale L’éducation était donc entre les mains de sa mère, qui était professeur de piano à l’école conservatoire. Elle a pris en charge l’éducation de sa fille. Avec excellent résultat, car Bosmans a ensuite rejoint le elle avait déjà dix-sept ans au Concertgebouw, sous la direction de chefs d’orchestre tels que Willem Mengelberg et Pierre Monteux. Têtue comme elle l’était, la jeune musicienne, un an plus tard, sa dominante mère et a emménagé dans sa propre maison. Elle a vécu avec la violoncelliste Frieda Belinfante, qui était amoureux d’elle, et menait une vie de bohème. L’instrument de Frieda a eu lieu au cours de cette première période de floraison de Bosman composent un lieu. Elle écrit le Trio (1921) pour piano, violon et violoncelle, et Impressions (1926) pour violoncelle et piano. Frieda l’a apporté Création du deuxième concerto pour violoncelle (1923). Pourtant, les grandes lignes lyriques sont de romance caractéristique.

Cela changera après la réunion avec Willem Pijper, un compositeur et critique. L’engagement avec le passé, la force de Bosman, C’est ce qu’il pensait, mais en même temps « elle faiblesse pour l’avenir. Bosmans a été et apprenti chez Pijper. Il l’a initiée à la musique contemporaine techniques telles que la polytonalité et polyrythmies. Son style a évolué, est devenu de manière plus concise, et à partir de ce moment-là le rythme plus lumineux. Le Concertino (1928) pour piano et orchestre est une exemple de cette nouvelle orientation. Un une autre figure cruciale dans la vie de la Le compositeur était le violoniste Francis Koene. Au début des années 1930, elle partage avec lui le scène pour une représentation d’Alban Bergs dodécaphonic Kammerkonzert für Klavier und Geige mit dreizehn Bläsern. Le public a été stupéfait et rejeté La musique. Bosmans était au-dessus d’elle sur le fait de tomber amoureuse de son partenaire de duo. Le deux étaient engagés, et le jeu de Koene était l’inspiration de la Pièce de concert (1934) pour violon et orchestre. Il ne l’a jamais Il meurt en 1934 alors qu’il est prisonnier résultat d’une tumeur au cerveau. Qui a déposé Bosmans dans une profonde dépression. « Je suis est mort un peu alors », a confié à son petit ami Matthijs Vermeulen. Pendant des années, elle n’a pas pu obtenir de note sur papier. La guerre a intensifié la misère, parce que les Les nazis l’ont bannie en public pour entrer dans le processus. Son travail a été retiré de la salle de concert bannir. En tant que pianiste, elle était seule peuvent être entendus lors de récitals à petite échelle les gens à la maison, les soi-disant « soirées ». Vers la fin de la guerre elle se leva d’un bond ; La chanson optimiste There Come the Canadians (1945) est l’un d’entre eux Un premier signe.

Tout comme avant la guerre, le violoncelle a joué un rôle clé La voix était désormais centrale. La muse de Bosmans était la chanteuse française Noémie Perugia ; Elle chante en 1949 à Amsterdam, et Bosmans l’a pris dernier quart d’heure de son récital. Ils a été écrasée. Il a fallu un certain temps avant Pérouse sur la comédie musicale et amoureuse de Bosman avance, mais à la fin Les deux ont développé une relation qui semblable à celle entre Benjamin Brits et Peter Pears. La relation créative Mais cela n’a pas duré longtemps. Bosmans dit une autre série de chansons inspirées pour sa bien-aimée, mais mourut en 1952 d’un les conséquences du cancer de l’estomac.

Jochem van der Heide

Henriëtte Bosmans (1895-1952) était la fille d’Henri Bosmans, directeur violoncelliste de l’Orchestre du Concertgebouw, et la pianiste juive Sara Benedicts, professeur de piano au Conservatoire d’Amsterdam. En tant que pianiste, Henriëtte Bosmans a donné la première exécution néerlandaise du Concerto de chambre pour piano, violon de Berg et 13 instruments à vent. Étant à moitié juive, elle n’était pas autorisée à se produire après 1942 et elle doit se tourner vers le réseau des concerts privés.

Nuit calme est l’une des dernières œuvres de sa première période de composition. Il est dédié au célèbre violoncelliste franco-néerlandais Gérard Hekking. De 1927 à 1930 Henriëtte Bosmans étudie avec Willem Pijper, ce qui lui permet d’obtenir un un langage musical un peu plus compact mais toujours très personnel. Une grande partie de sa production se compose des chansons qu’elle a écrites pour la chanteuse française Noémi Pérouse, avec qui elle entretenait une relation professionnelle et personnelle étroite. Le Artist’s Secret, écrit pour Peter Pears et Benjamin Britten, avec qui elle avaient une amitié étroite.

Sélection d’œuvres

Sonate 1919 violoncelle et piano Trio 1921 piano, violon et violoncelle Premier concerto pour violoncelle 1921
Deuxième concerto pour violoncelle 1923
Impressions 1926 violoncelle et piano Nuit Calme 1926 violoncelle
et piano


Pièce de concert 1929 flûte et orchestre Pièce de concert 1934
violon et orchestre
Voici les Canadiens 1945 soprano et piano Das macht den Menschen glücklich (1951
) voix et piano

Oui Gokkes (1897-1943)

Bien étonnés de se trouver ensemble... S’ils seraient vraiment surpris, certains des Compositeurs abordés dans ce livret qu’ils auraient pu ressentir s’ils avaient savaient qu’à cause de leur Destin tragique partagé dans un véritable « groupe » serait proclamée. Les nazis les a tous étiquetés simplement comme « compositeurs juifs ». Si vous allez à la musique s’écoute lui-même, seul Sim Gokkes Admissible à cette désignation Venir. Ses compositions sont principalement synagogal dans le caractère, et donc ses origines juives sont indubitables présent dans son œuvre.

Sim Gokkes a pris des cours de chant dès son plus jeune âge du chanteur d’opéra Ben Geijsel, et puis par Victor Schlesinger, chantre de la synagogue Rafenburger. Là Dès 1912, les premières compositions de Sims Courir. Gokkes a également mené des Déjà dans son adolescence, diverses chorales. À ce moment-là, il n’avait pas encore commencé son études conservatoires, qu’il termine en 1919 diplômé en piano de la Sem Dresde. Après ses études, Gokkes a été actif en tant que chef de chœur. Entre autres choses, il a fondé le Amsterdamsche Korenschool, et longtemps pendant un certain temps, il dirigea le chœur des Portugais Synagogue d’Amsterdam. En tant que chef d’orchestre Il a également arraché quelques opéras à Cherubini et Cimarosa, entre autres. oubli.

En 1923, Gokkes épousa le pianiste Rebecca Winnik, qui lui a également donné des comédies musicales se tenait à l’écart. Avec elle, il avait deux enfants, et jusqu’en 1943, la famille a vécu Gokkes dans le quartier juif près de l’Oosterpark à Amsterdam.

Une part importante de l’héritage musical van Gokkes a traversé la guerre perdu. Un certain nombre de manuscrits ont été encore présent dans la musique néerlandaise à La Haye. Aux Pays-Bas Son travail est devenu régulier au cours de sa vie où il a recueilli beaucoup d’éloges. Les chants hébreux de Gokkes ont été par la chanteuse Lotti Muskens-Sleurs avec le compositeur lui-même au piano à queue à la Salle Pleyel à Paris.

Il y a quelques années, le chantre Berry Mehler dans les archives des Portugais Synagogue à Amsterdam Gokkes' Sjire Kodesh Retour. C’est un livre de synagogue mélodies, c’est-à-dire destinées au service dans la synagogue. Ce travail visait à : Gokkes : les mélodies juives traditionnelles pour retrouver leur authenticité et leur pureté. qui, selon lui, ont été données au cours de la Temps perdu dans la plupart des opérations s’en était allé. Les influences de la laïcité musique, comme l’opéra, étaient, selon les est devenu trop fort pour lui. Paradoxalement choisi Gokkes lors de ses travaux de réparation précisément pour l’application des techniques de la nouvelle musique. Le fameux Le chazzan Hans Blumenthal a utilisé le servent souvent de référence.

Kinah sonne remarquablement moderne, un Œuvre pour voix solistes, quintette à vent et piano de 1928, inspiré par la lamentations de Jérémie. À l’exception de de l’Adonaj chanté une fois, Ilohénoe, les chanteurs chantent en exclusivité sur la syllabe ha, un décidé pour l’époque l’écriture moderne. À partir de la même année date un certain nombre de chansons délicates sur le néerlandais, l’hébreu et le français Textes.

L’une des dernières œuvres de Gokke est la Sonatine pour piano (1939), un collage travail basé sur les thèmes de la L’histoire d’Esther, qui a été racontée pendant la fête de Pourim est-il dit. D’après cette histoire la reine juive Esther, son époux, le roi perse Akhachverosh, dans le temps avertir qu’il y aura un massacre de ses sujets juifs. Un plan de destruction similaire pour le Juifs d’Europe, des milliers d’années plus tard, comme nous le savons, n’a pas été en mesure de empêcher. Sim Gokkes et sa famille n’a pas survécu à la guerre : en 1943 tous les quatre sont morts à Auschwitz Mis à la table.

Marcel Worms

Sim Gokkes (1897-1943) fut l’élève de Sem Dresde. Il est connu comme un innovateur de la musique synagogale. Enfant, il prend ses premières leçons de chant auprès de Ben Geysel, une chanteuse d’opéra. Son second professeur fut V. Schlesinger, chantre de l’église Synagogue Rapenburg à Amsterdam (où la Fondation Leo Smit donne actuellement des concerts avoir lieu). En 1912, dans cette synagogue, Gokkes présenta son premier compositions : 'Ngolinu Leshabiag' et 'Yigdal'. Il a été directeur de plusieurs alors qu’il était encore adolescent (1914) et il remporta le premier prix d’un concours pour les « quatuors d’hommes doubles ». Plus tard, au Conservatoire d’Amsterdam, il étudie piano avec flûte comme deuxième instrument. Il termine ses études en 1919.

Il a travaillé comme assistant metteur en scène à l’Opéra des Pays-Bas de 'Pauwels en Kreeft' et en 1921/22 il fonde 'The Amsterdam School of Choir'. En 1925, en tant que chef d’orchestre de 'The Singers United', il a interprété avec succès plusieurs opéras presque oublié : « Il matrimonie Segreto » de Cimarosa, « Les deux » journées' de Cherubini et 'Le Voyage en Chine' de Basin. La même année, il a connu un grand succès avec son « Psaume 130 », choisi par le jury du concours international de chant 'Polyhymnia' à Haarlem comme le meilleur de 116 Entrées. Pendant des années, Gokkes a été le directeur de Santo Serviço, le chœur de la Synagogue portugaise à Amsterdam. Il composa une Suite pour petit orchestre sur la chanson juive 'Inter dem Kinden Wiegele', 'Kinah' pour quintette à vent et solistes sur des textes de l’Exode (chap. 1), oratorio pour grand orchestre, chœur et soliste, 'Cain' pour chœur d’hommes ainsi que plusieurs autres œuvres. Le livre 'Shiri Kadesh' contient ses compositions pour l’office synagogal.

Avec toute sa famille, Sim Gokkes a été assassiné à Auschwitz. Son L’héritage musical a été presque complètement perdu.

Sélection d’œuvres

Sonatine 1939 piano Kinah 1928 voix solistes, quintette à vent et piano Chansons 1926/1928 chant et piano


Shirë Ködesh 1937 chœur d’hommes
 

Ignace Lilies (1897 - 1964)

Lors d’un concert dans l’une des écoles de musique à Lviv le 29 novembre 2006 un duo hollandais jouait le Divertimento pour flûte et piano d’Ignace Lilien. Il est probable que l’œuvre sonnait comme le Première fois dans cette ville. Lviv est maintenant dans le l’Ukraine, mais quand Ignace Lilien 1897 est né, il s’appelait Lemberg et c’était autrichien, et avant 1772 il a été polonais pendant des siècles. Lemberg, c’est « petite Vienne », était à l’époque un important centre culturel. Le vieux centre-ville, où Lilien a n’a pas été beaucoup fait au fil des ans. Changé. Même les textes actuels sur le Murs de l’ancien ghetto juif ça pourrait être la même chose : Juden raus, Juds doit mourir...

Lilien est l’une des personnes dont il est question dans ce livre compositeurs sans doute les plus cosmopolites. Les orthographes divergentes de son nom sont révélateurs : Ignacy, Ignaz et Ignace en combinaison avec Lilien et Liliën. Sa vie est Se lit comme un livre de garçon passionnant, avec Le point culminant a été une balade à vélo en 1914 le long des musées européens. L’aventurier Reiziger n’avait que dix-sept ans à l’époque. Par le déclenchement de la Première Guerre mondiale ; La Haye est devenue l’imprévu fin de son voyage. Lilien est allé à l’université à Delft et dans un court laps de temps Ingénieur chimiste. Il a également étudié piano et composition. Une double vie en a été le résultat : en plus de son travail d’ingénieur Lilien composait et donnait des concerts. En conséquence, il séjournait souvent à l’étranger. Ses voyages en Amérique du Sud Ajout d’éléments exotiques à son style fermer. Par exemple, il a incorporé des éléments de La musique folklorique latino-américaine dernier mouvement de sa sonate pour violon et piano, un mouvement qui a également été utilisé séparément publié sous le titre Rondo Bresilien. Ce système moderne Incidemment, il a écrit Times Sonata en 1935, lorsqu’il passa quelque temps dans la Bohemian Reichenberg (Liberec). En 1939 il retourna aux Pays-Bas.

Les années de guerre amenèrent Lilien à Apeldoorn au cours de cette période, où il a eu une a composé un grand nombre de chansons néerlandaises. Par exemple, il a écrit La Ballade de Westerbork (1943), mais heureusement il savait Restez dans ce camp de transit. et a survécu à la guerre.

La musique de Lilien était jouée régulièrement, Et pas par les moindres musiciens. Être son ami Stefan Askenase a fait plusieurs fois en solo grincement dans les Trois Nocturnes pour piano et orchestre (dirigé par Ernest Ansermet). Avant L’opéra à succès de Lilien, La Grande Catherine écrit nul autre que George Bernhard Shaw le livret. Aux Pays-Bas le violoniste Willem Noske a La musique de Lilien. Par exemple en 1946 à Diligentia de Haag, le création de la Deuxième Sonate pour violon et piano. Le Nieuwe Haagsche Courant parle dans une critique d’un « harmonieux intéressant, fantastiquement mouvementé composition. Lilien fait briller Noske avec cette sonate pour violon plus tôt cette année-là d’avoir été un peu volé. Un dimanche matin Il n’a pas été annoncé avec La pièce a déménagé dans la maison du violoniste pour le lui transmettre. Il trouva Noske toujours dans son lit. « Je t’en donnerai vingt minutes pour s’habiller », lui a-t-on donné par le compositeur.

Aussi capricieux que Lilien d’après ce qui précède l’anecdote émerge, décrit aussi un scribe de la Chronique le jeune compositeur : « Il est si resplendissant non-néerlandais, donc un jeune homme polyvalent ! Ce personnage au sang chaud vient de se reflète également dans le souvent exubérant le style d’écriture que Lilien utilise dans son œuvre Autobus. Son vaste et tenace la correspondance avec les éditeurs, théâtres, salles de concert et influents Des personnalités de la scène musicale internationale confirme cette image. Symbolique semble être l’un des premiers travaux de la piano, que Lilien a écrit alors qu’il était encore a vécu aux Pays-Bas pendant une courte période, Rêve Fiévreux. Sur la couverture, un regard inquiet Visage à la recherche avec les cheveux emmêlés et des yeux creux vers nous. Peut-être que j’ai fait l’expérience le compositeur, qui voyage partout semblaient se sentir chez eux et si infatigables composé, l’ensemble de la vie en tant que telle : comme un long rêve fiévreux, qui ne s’est terminée qu’avec sa mort en 1964, dans sa ville natale de La Haye.

Marcel Worms

Ignace Lilien (1897-1964) est né à Lvov, anciennement Lemberg, en Pologne. Sous l’hégémonie de la monarchie austro-hongroise, la La population prospérait dans cette ville souvent appelée la « Petite Vienne ». Deux D’autres grands musiciens se sont également illustrés à Lvov : Stefan Askenase (1896) interprète renommé de Chopin et ami de longue date de Lilienand Emanuel Feuermann (1902), l’un des plus grands violoncellistes du XXe siècle.

En 1914, Ignace Lilien débarque en Hollande pour une tournée à vélo des musées dans toute l’Europe. Sa visite à La Haye coïncida avec le déclenchement de la guerre mondiale I. Isolée mais en sécurité, Lilien décida de rester en Hollande et commença une étude de chimie à Delft. Peu de temps après, il est devenu citoyen néerlandais.

Bien que Lilien gagnait sa vie en tant qu’ingénieur chimiste, il était Compositeur et pianiste de génie à la nature cosmopolite : il n’a jamais hésité d’écrire ses propres textes de chansons, que ce soit en français, en allemand et en néerlandais. Les mélodies allemandes de Lilien sont très proches des œuvres de théâtre musical de Brecht et Weill. Son cycle de mélodies « Mietskaserne » dénonce les conditions de travail inhumaines dans les l’industrie moderne. Dans les années 1930, Lilien a vécu dans la ville de Bohême de Reichenberg (Liberec) où il composa la « Sonate des Temps modernes » pour violon et piano en 1935. Le dernier mouvement de cette Sonate mêle avec esprit jazz et musique sud-américaine, devenant si populaire qu’elle a été publiée séparément sous le titre 'Rondo Brésilien'.

En 1939, Lilien retourne aux Pays-Bas. Il a passé les années de guerre à se cacher à Apeldoorn, survivant à l’occupation allemande. Entre 1939 et 1943, il a composé un grand nombre de chansons sur des textes néerlandais. Dans son cycle de mélodies « Maria Lecina', composée en 1941 sur de la poésie hollandaise par J.W.F. Werumeus-Buning, Lilien montre son amour pour les rythmes espagnols et le chant passionné. Le van 'Ballade Westerbork' est une mise en musique réaliste et sobre de ses propres poèmes décrivant la la déportation d’enfants juifs de Westerbork vers les camps de concentration Europe orientale.

Après la guerre, Lilien a visité le continent sud-américain la musique de qu’il aimait tant en tant que pianiste de concert. À Lima (Pérou), il composa un Divertimento pour flûte et piano en 1950.

Ignace Lilien meurt en 1964 à La Haye.

Sélection d’œuvres

Les Temps modernes Sonate 1935 violon et piano Divertimento 1950 flûte et piano Chansons, voix et piano

Grande Catherine 1932 opéra

Leo Smit (1900-1943)

Leo Smit est né le 14 mai 1900 dans le quartier de Plantage à Amsterdam. Il venait d’un milieu aisé et non religieux Famille judéo-portugaise. Il a commencé avec des leçons de musique à un jeune âge et a écrit son Première composition à l’âge de seize ans. Sa sœur cadette Nora jouait de la harpe ; cheveux professeur, la célèbre harpiste Rosa Spier, était un invité régulier de la maison Smit. Depuis 1919 Leo Smit étudie le piano et la composition au Conservatoire d’Amsterdam, à Sem Dresden, entre autres et Bernard Zweers. En 1924, il est le Premier élève à s’inscrire dans ce conservatoire Laude le diplôme final de composition atteint. Toujours à l’époque où il était étudiant, en 1922, il a écrit l’œuvre orchestrale Silhouettes, qui trois ans plus tard par le Orchestre du Concertgebouw dirigé par Cornelis Dopper. À la suite de cela, le critique de Het Volk a écrit : « Dans le Le compositeur utilise l’ensemble de la suite des combinaisons sonores particulières de l’orchestre de jazz nègre.

Peu de temps après l’obtention de son diplôme, Smit est devenu maître de conférences l’harmonie et l’analyse musicale, mais Il a d’abord dû faire son service militaire à Harderwijk. accomplir. La petite et petite de vingt-quatre ans Smit a été capable de le faire entre les Des garçons grossiers de dix-huit ans ont du mal à le supporter. Un médecin de l’armée l’a fait admettre à l’hôpital militaire d’Utrecht, où Il a été immédiatement rejeté. Dans l’intervalle, Il a déjà écrit plusieurs pièces de théâtre à succès, comme le Prélude à la pièce de Teirlinck « Le Film au ralenti ». Comme beaucoup d’autres Néerlandais compositeurs, il était attiré par à la nouvelle musique française, et en 1927 il partit pour Paris, où il y resterait neuf ans.

En 1930, son ami, le compositeur, décide lui aussi de Jacques Beers, pour aller à Paris. Bien que Smit se soit plongé dans la la vie musicale parisienne et a apprécié la des compositeurs tels que Ravel, Stravinsky, Milhaud, Honegger et Poulenc, les liens avec les Pays-Bas sont restés fort. En 1929, l’Orchestre du Concertgebouw sous la direction de Pierre Monteux sa musique de ballet Schemselnihar De. En 1933, Smit épousa Engeline (Lientje) de Vries, qui le suivit jusqu’à Paris. Leo Smit a écrit trois Œuvres dans lesquelles la harpe joue un rôle central : un trio, un quintette et un concertino, tous les trois pour Rosa Spier ; le Concertino a été interprétée par elle en 1934 avec l’Orchestre du Concertgebouw dirigé d’Eduard van Beinum.

Leo Smit a écrit dans un style néoclassique style, avec un penchant pour la tonalité Ut majeur. Dans plusieurs œuvres, le Le jazz, source d’inspiration : des rythmes jazzyliques et les harmonies témoignent de sa fascination pour cette nouvelle type de musique. Le style de Smit est très français, à Ravel et Debussy, mais parfois aussi à Hindemith (concerto pour alto) et Stravinsky (trio de clarinettes). Musique ensoleillée, Mélodieuse, variée, classique dans la forme et harmoniquement intéressant. Au cours de la période Jusqu’en 1940, il écrivit un certain nombre d’œuvres plus importantes : le Sextuor (1932) pour cinq cors et piano, la Symphonie en ut majeur (1936), le Concerto (1937) pour piano et vents et le Concerto (1940) pour alto et cordes. Après avoir vécu à Bruxelles pendant un an Smit s’installe en 1937 Amsterdam, où il gagnait sa vie professeur particulier de piano, de théorie et de composition. Il était ami avec des connaissances musiciens, dont la mezzo-soprano Jo Immink, l’altiste Juup Raphaël et le compositeurs Daniël Ruyneman et Karel Mengelberg. Son nom était aux Pays-Bas établi de façon permanente ; Ses compositions ont été peuvent également être entendus régulièrement à la radio.

L’invasion allemande a été suivie par de plus en plus de mesures anti-juives. La situation s’est aggravée Progressivement, aussi pour les musiciens. Dans En 1941, les musiciens juifs n’ont plus le droit de en public, plus tard même leur profession. Par Leo Smit les élèves non-juifs route. En décembre 1942, lui et sa femme Lientje ont été forcés de déménagement de leur maison dans la Eendrachtstraat au Transvaalbuurt. Malgré Il continua à composer la situation difficile ; Sa dernière composition est la brillante Sonate pour flûte et piano, qu’il Février 1943. Au début du mois d’avril 1943, Leo Smit et ses femme par l’intermédiaire de la Hollandse Schouwburg sur Transport jusqu’au camp de transit Westerbork. Ils ont été expulsés à la fin du mois d’avril au camp d’extermination de Sobibor, où ils ont été arrêtés dès leur arrivée. assassiné.

Eleonore Pameijer

Sélection d’œuvres

Silhouettes Quintette d’orchestre
(1922) flûte, violon, alto, violoncelle et harpe (1928) Symphonie en ut mineur (1934-36
) orchestre Concerto (1937) piano et vents Trio (1938) clarinette, alto et piano Divertimento (1942) piano quatre-mains

Sonate (1943) flûte et piano

(1943)

Nico Richter (1915 - 1945)

Enfant, Nico Richter passait tous les jours la Vondelkerk d’Amsterdam et écouté puis avec empressement à l’orgue et au chœur. C’était probablement le début de son grand amour pour la musique. Il est né à Amsterdam, dans une organisation non religieuse Famille juive. À l’âge de sept ans, leçons de violon de Jacques Muller, qui plus tard altiste à l’Orchestre du Concertgebouw deviendrait. Le Concertgebouw a été un lieu familier pour lui, parce que Son père l’a donné à un jeune âge aux concerts. Au cours de l’une des ces concerts qu’il a entendus Willem Pijper se produisant en tant que soliste dans son propre concerto pour piano, après quoi il décida qu’il voulait être compositeur. Richter a été puis douze. Un an plus tard, il rédige son première composition.

Richter a passé en revue l’HBS et a passé De plus, beaucoup de temps passé à jouer du violon et composer. Il voulait étudier la composition, mais sous la pression de son père Il s’est inscrit dans une école de médecine à l’Université Municipale d’Amsterdam. Il aimait la vie étudiante et est devenu membre de l’association étudiante Unitas. De plus, Il a joué du violon à l’école de musique de l’Université Conservatoire d’Amsterdamsch et y est allé Il continue à composer. Son professeur de violon était Sepha Jansen, l’épouse de Édouard de Beinum. En juillet 1935, Richter participe à un concours de direction d’orchestre et de composition à Bruxelles, sous la direction de par le chef d’orchestre Hermann Scherchen, qui Plus tard, son professeur deviendra professeur de direction d’orchestre. Avec son Concertino pour violoncelle et cinq instruments Il a gagné un prix.

En 1936, Richter réussit son examen de candidature médicament. Peu de temps après, Il a rencontré son ancien camarade de classe Hetta Scheffer, violoniste. Ils ont commencé pour faire de la musique ensemble, et il y a eu une une amitié étroite pour eux. En 1937 Richter devient chef d’orchestre de l’orchestre de l’Amsterdamsche Studenten Muziek Vereeniging MUSA, qu’il passerait quatre ans et qui lui a donné l’occasion de un certain nombre de ses propres compositions baptême.

Au début de la guerre, Nico était Richter 25 ans. En octobre 1940 il a épousé la non-juive Hetta. Le jeune couple espérait que Nico serait en mesure de Un « mariage mixte » à la persécution des Juifs pourrait s’échapper. Bien que les étudiants juifs à partir de septembre 1941 ont été exclus de l’université, Richter termine-t-il ses études : Le 18 novembre 1941, il reçoit son diplôme. Richter s’est joint à un groupe de résistance, Mais en avril 1942, il est trahison soulevée de son lit. Après la captivité dans le camp d’Amersfoort et le camp Vu où il a été déporté Auschwitz. Là-bas, il a réussi à gagner sa vie en exerçant la profession de médecin mettre. De ses études Expérience avec les maladies tropicales Il devait inclure les patients avec le typhus. Au cours de la dernière l’hiver de la guerre, il a été transféré à Dachau. Après un long calvaire Richter est sorti de la guerre en 1945 gravement malade. Camps; Ses poumons étaient sévères Affecté. La Sérénade pour flûte, violon et de l’alto qu’il pouvait encore jouer sur son lit de mort enregistrer. Il meurt en août 1945, vingt-neuf ans.

L’étendue de l’œuvre de Nico Richter est modeste. Il a écrit principalement pour les petits occupants, et son œuvre la plus longue, à l’exception de l’opéra de chambre Amorys, dure neuf minutes. Ses compositions sont généralement courtes et Comprimé; Il n’y a pas une note de trop. Différent du travail de la plupart des d’autres compositeurs néerlandais, qui étaient très orientés vers la France, les musique de Nico Richter plus d’affinité avec la Nouvelle Ecole Viennoise. Richter était très libre avec la tonalité, et son expression musicale succincte rappelant l’idiome d’Anton Webern et Alban Berg. Sous la forme de Il utilise souvent la symétrie, ce qui est souvent visible dans les formes sonates compressées. La musique de Richter n’est que sporadique après 1945 même si sa veuve différentes versions de l' Salle de concert d’Amsterdam « The Suite ». Content est une innovation renouvelée pour sa musique. intérêt.

Eleonore Pameijer

Nico Richter (1915-1945) a montré très tôt son grand talent de compositeur scène : lors d’un concours international de compositeurs à Bruxelles en 1935, il a remporté le prix Henri Leboeuf avec un Concertino pour clarinette, cor français, trompette, piano et deux violons. Ses talents musicaux s’étendaient également à direction d’orchestre : après avoir étudié avec le grand Hermann Scherchen, il est chef d’orchestre d’un orchestre d’étudiants. Ce poste lui a permis de commander de nombreux compositions, dont celles de son ami Alexander Zwaap (connu après le guerre sous le nom de Lex van Delden).

En 1942, Nico Richter est arrêté. En 1945, il revient de Dachau, gravement affaiblie. Avant de mourir d’épuisement quelques mois plus tard, il trouva la force d’achever le premier et le cinquième mouvement d’une Sérénade pour flûte, violon et alto. La Sonatine pour piano, parfait exemple de l’aphoristique de Richter Le style de composition date de 1935 et a été trouvé en 1988 par Lex van Delden jr. dans l’héritage de son père.

Sélection d’œuvres

Concerto pour violon 1933
Sonatine I 1934 piano Sérénade 1934 orchestre de chambre Trio 1935 flûte, alto et guitare
Quatuor à cordes 1936
Amorys opéra de chambre
1937
Deux pièces violon et piano

(1942) Sérénade (1945) flûte, violon et alto (1934)

Lex van Delden (1919-1988)

Contrairement à ce qui est vrai pour d’autres compositeurs dans ce livret est le titre « What sont restés leur musique » n’était pas particulièrement Lex van Delden, né le à dans le rôle d’Alexander Zwaap. Après tout, la plupart des de la trentaine de partitions qu’il a jusqu’à la Seconde Guerre mondiale, ont été perdus en 1944 lors des bombardements à Nimègue. C’était encore Ce n’est pas la plus grande catastrophe que Zwaap ait vue au cours de la ces dernières années. En 1943, ses parents ont été déportés à Sobibor ; ils n’est pas revenu. Lui-même errait parmi les le pseudonyme de Van Delden le long d’un nombre de cachettes et il l’a fait travail de résistance. Une lampe en carbure qui explose l’a aveuglé d’un œil. Cela l’a privé de la possibilité de neurochirurgien, ce qui était une période d’avant-guerre Son ambition l’était.

Après la libération, il s’est jeté sous le coup de la Lex van Delden de manière décisive vie musicale. En plus de composer il a travaillé comme journaliste musical à Het Mot de passe; Plus tard, il a été président de Buma/Stemra. Il a prononcé un discours l’écoulement des compositions et était dans le Années 1950 et 1960 L’un des compositeurs les plus joués de sa génération. Travailler en tant que tiers Symphonie (1955) et Musica sinfonica (1967) avec l’Orchestre du Concertgebouw les lutrins. Van Delden a également écrit pour des entreprises telles que Noordhollands Orchestre Philharmonique, la Résidence L’Orchestre et l’Ensemble à vent néerlandais Ensemble. Il a été chargé de composer du gouvernement, était un « compositeur personnel » de harpiste Phia Berghout et aimait écrire pour les entreprises amateurs. D’un point de vue Certaines de ses œuvres semblent être une l’engagement social. L’œuvre orchestrale Par exemple, In memoriam (1953) est dédié aux victimes de la inondation catastrophique en Zélande en 1953 ; Canto della guerra (1967) pour chœur et l’orchestre est une condamnation féroce de la guerre. Le grand Van Delden la productivité en amont et en aval de l’ombre, sa joie de vivre irrépressible et son l’engagement social peut être lié à la Avec les lourds revers qu’il a dû endurer pendant la guerre Obtenu. Du moins, c’est l’opinion de l’acteur et chanteur Lex van Delden jr., le fils aîné du compositeur. Le la misère n’a pas émoussé son père, ne lui a pas fait de mal, mais l’a amené après le la guerre en tant qu’être humain et en tant que musicien développement complet.

C’est une volonté de vie idéaliste qui parle également de la musique de Van Delden. Spirituel Dans une structure claire, nous entendons souvent des contrastes marqués entre des et des passages lyriques. Le rythme est le suivant : vif. Des compositions ont été créées dans le d’une impulsion spontanée – une idée forte et lapidaire, qui n’a été que plus tard « la raison et l’intellect » a été corrigé. Un La Troisième Symphonie en est un bel exemple. Ceci s’articule autour d’un thème concis, qui se joue dans un jeu coloré de variation Aspiré. Entre-temps, les choses sont en train de changer de forme et de caractère et sont toujours nouveaux aspects de l’initiative initiale simple idée brillante vers l’avant. Le Le sous-titre est « Facettes ».

Tout au long de sa vie, Van Delden a défendu une plus grande part de néerlandais et contemporains musique du répertoire régulier. Néanmoins, au cours des années où il a été soixante-dix la cible des Casse-Noisettes, un groupe de jeunes compositeurs et musiciens qui calcifient le système orchestral et s’estimaient incompris. Van Delden était considérée comme la figure de proue d’un génération qui a freiné l’innovation. De plus, Sa musique n’a pas abandonné la tonalité à l’avance – une infraction passible de la peine de mort Jours. Ce Van Delden en 1969, en pleine des critiques élogieuses, le Casse-Noisette Reconstruction de l’opéra « sévèrement en dessous la taille » n’a pas fonctionné non plus à son avantage. La tension était à son comble haut. Dans les années qui ont suivi, le Casse-Noisettes, cependant, eux-mêmes dans la vie musicale, et à la fin des années 1970, le Angel hors du conflit. Konrad Boehmer, L’autoproclamé « théoricien de la Casse-Noisette », fermé dans les années 1980 même l’amitié avec son ancien adversaire; son verdict sur Van Deldens La musique s’adoucit considérablement. « À partir de L’œuvre de Delden s’inscrit dans la tradition de la musique épurée et pragmatique de la impressionnistes français », a déclaré Boehmer. « En ce sens, c’est important pour les Néerlandais de la culture.

Jochem van der Heide

Sélection d’œuvres

Rubáiyát 1948 chœur mixte, 2 pianos et percussion Vocalise
op. 29a-bis 1951 violoncelle et piano Impromptu 1955 harpe solo
Concerto pour piano (1960) Concerto piccolo (1960
) 12 vents, timbales, percussion et piano

Concerto pour deux orchestres à cordes (1961) Sinfonia concertante (1961) 11
vents
(1964) Concerto pour flûte (1965) Musica notturna a cinque (1967) harpe et 4 violoncelles (1967)

Quatuors à cordes
(1954), 1965, 1979
Sextuor à cordes 1971

Informations complémentaires :
www.lexvandelden.nl

Dick Kattenburg (1919-1944)

Dick Kattenburg est venu à Amsterdam dans le monde, mais a déménagé dans une jeune avec sa famille à Naarden. Son père était fabricant de textile et directeur de Hollandia-Kattenburg, un bâtiment familier aux Amstellodamois de l’autre côté de l’IJ. Dick et son frère Tom ont reçu un jeune âge une éducation musicale approfondie. Tom est devenu pianiste de concert, Dick a étudié Solfège et violon au conservatoire à Bruxelles et suivi à Den Haag mêmes sujets. Il a été instruit par e.a. Willem Pijper. Peu de temps après son examen d’État, en 1941, Kattenburg a été ses origines juives ont été forcées plongée. Il a pu se rendre chez un ami à Utrecht, Ytia Walburg Schmidt. Cependant, cette cachette a été trahie, et dans les années qui suivirent, Kattenburg erra ainsi qu’un certain nombre d’autres adresses. D’après un rapport d’après-guerre de l' La Croix-Rouge était Uiterwaardenstraat 387 à Amsterdam, le dernier d’entre eux. Kattenburg, Pays-Bas utilisé les pseudonymes « De Assendelft van Wijck » et « K. van Drunen ». Le 5 mai 1944, Kattenburg est arrêté, probablement lors d’un raid à un cinéma. À Westerbork, il vit l’occasion d’envoyer un mot à sa tante et à son oncle à Amsterdam. Peu de temps après, le Le 19 mai 1944, il est déporté à Auschwitz, où il est né entre le 22 mai et le 30 mai a été assassiné en septembre, à peine âgé de vingt-cinq ans Ans.

Au cours de sa courte vie, Kattenburg a écrit une trentaine de compositions pour divers line-ups. Une grande partie de cette est apparu pendant la guerre. Dans Au cours de ces années difficiles, il a été en contact avec avec Leo Smit et a envoyé cet ancien collègue une lettre avec la musique technique demander; La réponse de Smit a été préservée. Il est frappant de constater que Kattenburg, qui est un libéral avait été élevé, pendant la guerre, il a toujours été semble être devenu plus conscient de la ses origines juives. Par exemple, il a écrit une série de chants palestiniens (1940-45), sioniste dans son caractère et le Promis Chanter sur le pays ; Juif ancien après tout, la terre était encore la Palestine à cette époque dit. « Les travailleurs en avant, pour la terre promise », s’écrie le joyeux à Kadima Hapoel. Kattenburg, Pays-Bas Ce recueil de chansons a donné à la l’inscription « Chansons roumaines » ; il La couverture de la mélodie hébraïque dit : « Mélodie roumaine ». Dans les deux cas s’agit-il de titres « déguisés », destinés à préserver les manuscrits pendant la de garder le suspect dans la clandestinité et donc de Garanties.

En particulier, dans les compositions instrumentales de Kattenburg, l’influence de On peut y entendre de la musique française contemporaine. Le plus souvent, cependant, son style est carrément romantique. The Blues (1940) pour piano quatremains, Écrit pour le cinquantième anniversaire de sa mère, a un côté jazzy Sentir. A noter également la Tapdance (1936), pour piano quatre-mains et danseuse de claquettes ou Batterie.

La musique de Kattenburg était Sa vie n’a guère joué. L’un des l’exception est la Sonate (1937) pour flûte et piano. Kattenburg dit cette œuvre pour une amie flûtiste, Ima par Esso. À l’instar de Kattenburg, elle en est venue à la guerre d’Auschwitz, mais ils ont été ont survécu au camp. Elle a gardé Kattenburgs manuscrit et l’a envoyé en 2000 comme cadeau d’anniversaire à un flûtiste Eleonore Pameijer. Touché par l’expressivité de l’œuvre, et par l’histoire qui se cache derrière, il y est entré Les années qui ont suivi ont été régulières. Dans 2004 a montré que cette composition n’a pas était la seule qui avait été préservée. Un fille de la sœur de Dick Kattenburg Daisy, Joyce Bergman-van Hessen, a décidé de L’héritage de sa mère à traverser. Il s’agit d’une réponse à l’annonce d’un concert de Eleonore Pameijer et le pianiste Marcel Worms, qui interpréterait la sonate. Elle pensa qu’elle était peut-être en train de chercher des boîtes dans le grenier un peu plus à propos de son oncle. La découverte qu’elle a faite a été spectaculaire : une pile de manuscrits avec un trésor de musique de Dick Kattenburg. La Sonate pour flûte et piano n’a pas été Exception : aussi les autres compositions sont de haute qualité.

Wim de Vries / Jochem van der Heide

Sélection d’œuvres

Claquettes 1936 piano quatre-mains et danseuse de claquettes/percussion
Sonate 1937 flûte et piano Blues 1940 pour quatre-mains
mélodie hébraïque 1941 violon, violoncelle et piano chansons palestiniennes 1940-45 soprano et piano