KoncepcjaActe Préalable AP0538
Justyna Jażdżyk, piano
Michał Maślak, saxophone
DDD – TT: 41’53”
©2022 07 21
Recorded: 2021
Booklet: Justyna Jażdżyk, Michał Maślak (Polish, English)
Rec. 2021, Salle de concert de l’École nationale de musique Juliusz Zarębski du premier et du deuxième degré, Inowrocław, Pologne
Premier enregistrement (Kopczyński)
- André Waignein (1942-2015) – Deux Mouvements
I. Complainte
II. Caprice - William Grant Still (1895-1978) – Romance for alto saxophone and piano
- Erwin Schulhoff (1894-1942) – Hot-Sonate (Jazz-Sonate) for alto saxophone and piano
- Marcin Kopczyński (1973) – Sonata for saxophone and piano op. 85
Koncepcja a été formé en 2018 par Michał Maślak (saxophone) et Justyna Jażdżyk (piano) et, bien sûr, il n’y a pas de prix pour comprendre que le nom signifie simplement « concept » en polonais. Le saxophone a été créé au début des années 1840 par l’inventeur et musicien belge, Antoine-Joseph 'Adolphe' Sax. Alors que le répertoire de Koncepcja comprend des pièces qui forment le pilier du répertoire, ils se concentrent principalement sur les œuvres contemporaines ainsi que sur celles à la limite de la musique populaire et jazz. Il y a aussi des pièces composées spécialement pour eux, comme la Sonate op. 85 de Marcin Kopczyński qui termine le présent CD.
Fait intéressant, Michał Maślak joue sur un instrument de 1934, de construction très similaire à ceux produits par Adolf Sax dans la seconde moitié du XIXe siècle, que Maślak utilise en conjonction avec un embout buccal basé sur le brevet original de Sax (1846). Ceci, nous dit-on, dans le livret cd le plus instructif, « produit un effet sonore assez unique: un son chaud, doux et plein, rarement vu sur les scènes contemporaines ». Ayant maintenant entendu la Conférence du désarmement dans son intégralité, je dois dire que je suis tout à fait d’accord avec cette appréciation.
Cette nouvelle version s’ouvre sur deux pièces du compositeur, chef d’orchestre, professeur, trompettiste et musicologue belge André Waignein. Il était d’abord un jeune autodidacte, sous la direction de son père, ouvrier de formation et saxophoniste dans un ensemble local. Waignein poursuit ses études au Conservatoire Royal de Bruxelles et de Mons, et, dans ses premières années, il est membre d’un groupe de jazz, pour lequel il écrit la plupart des arrangements. C’est sa composition qui a fait grandir sa renommée, et comprenait des chansons, de la musique instrumentale et de chambre, des œuvres symphoniques et des pièces pour orchestre à vent – en fait plus de 600 compositions, dont plus de 300 ont été publiées, ainsi que enregistrées sur plus de 100 albums, sous de nombreux pseudonymes différents.
Au début de l’année 1989, ses amis proches, Jean Baily, directeur du Conservatoire royal de Bruxelles, et Alain Crépin, professeur de saxophone au Conservatoire, lui demandent de composer quelque chose qui convient à leurs étudiants en musique. C’est ainsi qu’ont vu le jourDeux Mouvements, vous n’avez jamais entendu de Waignein auparavant, vous pourriez également être surpris par la beauté pure de. Après la plus brève introduction au piano, le saxophone entre avec une mélodie vraiment envoûtante et expressive qui m’a fait penser à « Français » – Waignein, après tout, venait de la partie Français de la Belgique – et nulle part plus que l’effusion romantique du piano juste après le début, et qui rappelle beaucoup l’écriture de Poulenc. Il s’agit clairement de mélodie, et son impact sur l’auditeur est considérablement renforcé par le ton délicat mais riche de Maślak, mentionné ci-dessus. Il y a une telle richesse dans la palette harmonique de Waignein, mais il n’y a jamais un accord qui sonne hors de propos, et bien que le style soit ouvertement romantique, il n’y a absolument rien de mawkish dans la ligne mélodique. Je l’ai simplement trouvé d’une beauté envoûtante – à la fois la musique et la performance – et difficile de résister.
Caprice>, en comparaison, présente des figurations rapides et motrices qui s’entrelacent avec des motifs plus cantilènes, bientôt englobés un puissant ostinato de basse syncopé du piano. Tous ces différents éléments sont développés au fur et à mesure que la pièce se déploie, encore une fois avec de beaux lavis de couleurs romantiques. Le compositeur donne vraiment au saxophone un véritable travail, de l’octave la plus basse jusqu’à la gamme altissimo alors que la musique atteint sa fin virtuose – un autre vrai gagnant dans mon livre.
Sur un CD Acte Préalable un peu plus éclectique que les sorties habituelles du label, de Belgique, nous nous tournons maintenant vers les États-Unis, et les œuvres de William Grant Still – l’un des premiers compositeurs afro-américains à devenir populaire dans le domaine de la musique classique. À ce titre, il a pu influencer un certain nombre de nouvelles tendances musicales, tout en fournissant également une véritable inspiration pour les compositeurs du début du XXe siècle, tels que George Gershwin.
Il étudie toujours à l’Université Wilberforce et au Conservatoire de musique d’Oberlin, où il apprend avec George Whitefield Chadwick, puis Edgard Varèse, ce dernier souvent appelé le « père de la musique électronique ». La production musicale de Still se compose principalement d’œuvres orchestrales, y compris de la musique de film et de nombreux arrangements. Il a été reconnu comme un compositeur national qui a été principalement inspiré par la musique folklorique américaine, les rites religieux afro-américains, ainsi que les rituels spirituels nègres. La Romance pour saxophone alto et piano (ou orchestre) a été composée en 1954 et dédiée à Sigurd Manfred Raschèr, un virtuose du saxophone américain d’origine allemande, qui est devenu une figure importante dans le développement du répertoire du XXe siècle pour l’instrument. Still’s Romance était initialement destiné à être la première section d’une suite plus grande, mais qui n’a jamais été terminée, et était la première du genre écrite pour le saxophone « classique » par un compositeur afro-américain. C’est très probablement en 1951 que le dédicataire a demandé à Still d’écrire une pièce qui pourrait combiner le plein prestige de la performance avec une œuvre éducative, puisque Raschèr avait l’intention de présenter cette miniature dans les écoles et les universités, ainsi que sur la plate-forme de concert régulière.
Des États-Unis, nous retournons de l’autre côté de l’étang à Prague, pour la prochaine œuvre sur le CD, du compositeur et pianiste tchèque d’origine allemande, mais avec des racines juives, Erwin Schulhoff. Dès son plus jeune âge, il prit des leçons de piano au Conservatoire de Prague, sur la recommandation de Dvořák, et, pendant les années suivantes, poursuivit ses études à Vienne, Leipzig et Cologne, où ses principales études étaient le piano, la composition et la direction, sous la direction d’un éminent éventail de professeurs à l’époque. Initialement, son style reflétait clairement les œuvres fortement impressionnistes et néo-romantiques de Debussy, Ravel, Scriabine et Richard Strauss, et il est également possible de trouver les influences de ses compatriotes comme Janáček, Novák et Dvořák. Mais Schulhoff n’a pas non plus peur de briser les conventions et est entré dans les domaines de la dodécaphonie (technique à 12 tons), de l’expressionnisme et de l’atonalité, précédant même de près de trente ans l’idée de John Cage d’utiliser le silence dans sa pièce 4'33 ».
L’exposition à tous ces divers stimuli a conduit Schulhoff à formuler un style moderniste, où les éléments néo-classiques deviennent interconnectés avec les idiomes du jazz et les rythmes de danse contemporaine. Typique d’un style aussi éclectique est son Hot-Sonate (Jazz-Sonate) de 1930, où les harmonies modales et quartales (basées sur l’intervalle de la quatrième), forment la base de la palette harmonique du compositeur. Pendant ce temps, les accents mélodiques imprévisibles et les rythmes concis, ainsi que les techniques instrumentales spécifiques comme le glissando, pointent tous dans la direction d’un style très calqué sur des éléments jazz des années 1930.
Le Hot-Sonate est coulé en quatre mouvements, et le compositeur, au lieu d’utiliser des directions de tempo italiennes conventionnelles, donne simplement le marquage du métronome pour chacun. La pièce d’ouverture suggère un « cakewalk » – une danse doucement gracieuse, souvent avec un peu d’humour incorporé dans la ligne mélodique, montrant à cette occasion une certaine affinité avec la gamme de tons entiers, et l’utilisation régulière de la triade augmentée au son quelque peu ambigu – et avec plus qu’un clin d’œil dans la direction de la pièce pour piano bien connue de Debussy, Gollywog’s Cakewalk , bien que dans le cas de Schulhoff, au tempo plus lent de 66 entrejambes (quarts de notes) par minute, mais toujours un bon amusement ironique, avec sa fin simple et « jetable ».
La deuxième pièce est non seulement plus rapide, à 112 minims (demi-notes) par minute, mais aussi moins de la moitié de la longueur de la première.- une sorte de mouvement de base « swing », avec beaucoup de syncopations surtout dans la partie saxophone, et cette fois une petite fin décidément effrontée. S’ensuit un « blues » vraiment sordide, réglé à un rythme régulier de 80 entrejambes par minute, auquel adhère le piano, avec une précision métronomique. Le compositeur s’assure qu’il y a plus qu’assez de variété ici, malgré le maintien de l’accompagnement de base des accords répétés du piano, ce qui, bien sûr, suggère le grattage tout aussi régulier d’une guitare ou d’un banjo. À cette occasion, Schulhoff décide de tirer sa révérence sur une note soutenue du saxophone, car la musique s’estompe rapidement.
La finale s’ouvre sur une note beaucoup plus optimiste et, avec un marquage de vitesse de 112 minims par minute, c’est aussi le mouvement le plus long. Environ quatre-vingt-dix secondes plus tard, la musique s’arrête et reprend le style « blues » du mouvement précédent, bien qu’il s’agisse d’une affaire beaucoup plus douce, au son assez exotique, maintenant avec un accompagnement de piano éminemment décontracté. Après quelques « faux départs », le tempo d’origine reprend, et maintenant il semble qu’il s’agisse de construire pour une grande finition. Mais Schulhoff ne va pas simplement le donner à l’auditeur sur une assiette. Il atteint une autre section lente et climactique, un peu comme les dernières mesures de la Rhapsodie en bleu de Gershwin, mais, avec seulement une dizaine de secondes restantes sur l’horloge, il augmente le tempo, mais ici – même dans le final – le mouvement est terminé avant même que vous ne l’ayez à peine remarqué.
Schulhoff était, en fait, l’un des personnages les plus originaux de la scène musicale depuis le début du 20ème siècle. Ostracisé par les nationaux-socialistes, il a été oublié pendant une longue période, mais au cours des dernières décennies, sa musique a été réévaluée et redécouverte. Après le début de la Seconde Guerre mondiale, le compositeur s’est retrouvé sans ressources pour vivre, alors il a essayé de déménager dans l’ex-URSS, ou en Occident. Mais après l’attaque de l’Allemagne contre l’URSS en 1941, il a été arrêté et envoyé dans un camp de concentration à Wülzburg, en Bavière, où il est mort de la tuberculose. Par conséquent, l’inclusion de cette œuvre emblématique, dans sa performance tout aussi emblématique, n’est qu’une autre raison pour laquelle cette nouvelle version a été quelque chose de spécial jusqu’à présent.
Marcin Kopczyński est né en 1973 à Inowrocław, une ville du centre de la Pologne. Le livret du CD contient une mine d’informations sur ses nombreux succès et réalisations, je propose donc de couper droit au but. Comme mentionné ci-dessus, la Sonate pour saxophone et piano op. 85 a été commandée par Koncepcja en 2018, la phrase polonaise que Kopczyński a ajoutée au titre de l’œuvre, signifiant simplement « écouter la mer et la forêt ». Le compositeur écrit: « il commémore Claude Debussy à l’occasion du 100e anniversaire de sa mort, et l’inspiration derrière sa composition a été tirée de la nature – sons de la mer, de la forêt, du vent – et de l’étonnante sonorité et euphonie du saxophone classique ».
L’œuvre est coulée en cinq mouvements, mais jouée sans interruption. L’ouverture nostalgique Andantino expose l’argument musical principal, où la ligne mélodique tend à se centrer autour d’un mélange de gammes principalement pentatoniques et de tons entiers, et où la palette harmonique utilise à la fois l’harmonie quartale (accords en quartes) et les accords basés sur l’intervalle de la seconde (voisins sur un clavier de piano). L’Andantino initial se transforme en deuxième mouvement, qui est, en fait, un autre Andantino autonome. Structurellement et harmoniquement basé sur son prédécesseur, il y a certainement plus d’occasions où la « mer, le vent ou le bruissement des feuilles de forêt » deviennent de plus en plus agités et passionnés, ce qui est entendu dans les deux instruments, mais les choses se calment ensuite de manière significative, car l’Andantino se transforme doucement en Lento espressivo. Comme le titre l’indique, ce mouvement constitue le mouvement lent de la sonate, mais même ici, le compositeur s’abstient de s’éloigner trop de son modus operandi original, en termes de mélodie, d’harmonie ou de mouvement vers l’avant.
Un simple thème de devise répété dans un doux mouvement de triplet signifie la fin du Lento espressivo et, un peu comme une course de relais, passe simplement le relais de manière transparente sur le « quatrième » mouvement. Le mouvement du triplet, entendu plus tôt, fait écho au début du Tempo giusto ̧ qui se développe ensuite, avec les deux instruments en contrepoint, en une série de pics et de creux climactiques, pour finalement devenir le final, marqué Vivo con forza. Cela repose beaucoup plus sur des figurations de triplets, répercutées entre les deux instruments, ce qui ajoute un rythme et une animation très bienvenus à l’œuvre dans son ensemble. Il y a quelques moments plus calmes et plus réfléchis en cours de route, mais, en regardant les secondes défiler lentement, les chances d’une fin dramatique et agréable à la foule ne semblent jouer aucun rôle dans le plan directeur de Kopczyński. Le final revient à l’ambiance de l’Andantino d’ouverture, et se termine indécis sur un accord non résolu, du piano seul.
Il n’y a, bien sûr, aucune obligation de la part d’un compositeur, de s’assurer que chaque finale doit se terminer dans un éclat de gloire, et il y a souvent de très bonnes raisons pour que ce ne soit pas le cas. Liszt, dans sa Sonate épique pour piano de trente minutes (1854), l’a également coulée dans un mouvement continu, comme Kopczyński, mais avait à l’origine l’intention que l’œuvre se termine par une forte floraison, comme il sied à la nature grand-virtuose de sa conception. Cependant, la partition manuscrite révèle que la fin inspirée et assez magique d’une seule note avec laquelle elle se termine maintenant est venue à Liszt comme une réflexion après coup, mais qui reflète plus fidèlement sa véritable personnalité. Dans le cas de Liszt, il fournit la solution idéale, en raison de l’extrême étendue des styles musicaux, des textures et des émotions qui l’ont précédé. Mais alors que le travail de Kopczyński se termine également sur un seul énoncé, en raison des subdivisions de section moins clairement définies et de la rareté globale de la variété musicale, une fois que le CD s’éjecte automatiquement ou que le lecteur s’éteint, ce n’est qu’à ce moment-là que vous vous rendrez probablement compte que sa Sonate a pris fin.
Après avoir entendu les pièces de Waignein, Still et Schulhoff, j’ai été absolument fasciné, non seulement par la beauté, la variété et l’inventivité réelle de la musique, mais aussi par le jeu tout simplement superbe et l’ensemble immaculé de Michał Maślak et de sa pianiste, Justyna Jażdżyk. En effet, quiconque pense encore que le saxophone alto est une sorte d’instrument « bâtard » – fait de cuivres comme une trompette ou un cor, mais avec l’intonation et la précision pratiquement assurées et irréprochables d’un instrument à vent, couplé à la tonalité glorieusement douce de Maślak à tomber par terre – n’a qu’à passer une trentaine de minutes avec ces trois œuvres, et je serais très surpris s’ils ne devenaient pas totalement séduits à la fin.
La Sonate de Kopczyński ne le dira certainement pas, mais je n’ai pas vraiment l’impression qu’elle ajoute ou diminue considérablement les autres œuvres présentes. Le fait qu’il s’agisse d’une commande doit avoir une incidence, mais peut-être que cela aurait mieux fonctionné, s’il était apparu à la deuxième place sur le CD. Complainte de Waignein est un excellent jeu d’ouverture qui attire certainement l’attention de l’auditeur dès le début. Terminer avec le Schulhoff devrait ensuite assurer que l’attention de l’auditeur est maintenue, longtemps après la fin du CD. En termes de présentation générale, cette nouvelle version néanmoins très divertissante et révélatrice maintient les plus hauts standards d’Acte Préalable en termes d’enregistrement limpide et de qualité littéraire du livret CD.
Si cela peut vous amener à penser plus charitablement au saxophone en soi, j’ai remarqué ce charmant petit bon mot à propos d’Adolphe Sax: « Enfant au début du XIXe siècle en Belgique, le garçon sujet aux accidents a été frappé à la tête par une brique, a avalé une aiguille, est tombé dans un escalier, s’est renversé sur un poêle en feu, et a accidentellement absorbé de l’acide sulfurique. Quand il a grandi, il a inventé le saxophone ! » Personnellement, je suis très reconnaissant qu’il ait réussi à survivre à toutes ces épreuves et tribulations, afin de produire une famille d’instruments de musique aussi polyvalente et attrayante et le saxophone alto en particulier.
Philip R Buttall